La Línea Clara, el estilo de Hergé (Cómic)

La Línea clara es un procedimiento de historieta o cómic de origen franco-belga, con algunos trazos característicos que hacen de el un estilo único. 

Existen numerosos artistas que han utilizado esta técnica para sus historias gráficas.

Artistas gráficos que han sabido interiorizar este procedimiento, haciéndolo suyo, y han aportado su genio para lograr un estilo único que ha enriquecido la técnica y ha hecho que ésta disponga ya de una amplia historia desde sus orígenes.

La línea clara se popularizó y tomó nombre en el último cuarto del siglo XX, momento en el que el conocido dibujante Hergé, Georges Remi, el padre de Tintín, se dió a conocer utilizando este estilo narrativo gráfico.

La línea clara influenció a muchos dibujantes a partir de la década de los 80 pero su impacto ha llegado sin duda a muchos artistas y dibujantes de nuestros días.

Las principales características que resumen el estilo de la Línea clara son las siguientes:

Delimitación de las figuras protagonistas de la viñeta mediante una línea continua y depurada.

Ausencia de los tonos de transición intermedio, manchas negras o efectos de sombra y contraluz.

Realce del efecto máscara, o lo que quiere decir combinar unos personajes marcados gráficamente como caricaturescos contra un entorno realista, para así centrar la atención protagonista en estos personajes claves para la historia.

Seguimiento riguroso de la narrativa clásica, con viñetas o planos poco cargados.

Fidelidad por la historia de un tipo de género, en especial la historia de aventuras.

Todas esta características ayudan a que una historia sea comprendida muy claramente sin demasiadas segundas intenciones ocultas en el dibujo, donde el lector puede centrarse en lo fácil de la narrativa, guion y planos, sin apabullar a este con sensaciones contradictorias literarias.

Es muy habitual que la gente atribuya la invención de este estilo a Hergé, y aunque si bien es verdad que fue él quien lo popularizó mediante Tinín y logró extenderlo a toda una generación de dibujantes y artistas franco-belgas dando una fuerte identidad y fundando una baluarte en lo que se conoce como el cómic europeo, sería totalmente injusto no mencionar a George McManus, el famoso autor de Bringing up Father que con su tira diaria hizo las delicias de de los lectores de la prensa americana a principios del siglo XX.

George McManus impactó directamente con su estilo en Alain de Saint Hogan.

Podemos observarlo en su obra Zig et Puce, y para acabar con la cadena de sucesos e influencias diremos que Hergé fue un alumno predilecto de Alain.

La Línea clara, aunque en concepto anterior, nace en esa generación de los 80 a raíz de la reivindicación de los artistas con los que Hergé había compartido trabajos, y en los que había despertado admiración, estos se dieron cuenta de que la Línea clara era evidentemente un estilo y tenía unos preceptos que merecían la pena ser defendidos, así que se animaron para adjudicarse la autoría europea franco-belga.

Aunque esto es un hecho aceptado por todo el mundo y se les debe atribuir de forma justa el mérito, no debemos olvidar las influencias precursoras que han creado este estilo.

Fuente: http://www.creativosonline.org

El Rotulador

En la técnica del rotulador se aplica directamente sobre el papel el color deseado, realizandose la mezcla tonalidad sobre tonalidad, con un acabado donde prima la transparencia, de forma similar a la acuarela.

El rotulador es un invento japones de principios de los 60, es la consecuencia de la evolución del pincel. Lo más correcto sería llamarle, pluma de fieltro, puesto que tienen depósito como algunos pinceles japoneses.


El rotulador, así como los demás útiles de dibujo con punta de fieltro o nylon, presenta unas características idóneas para aproximaciones del dibujo al campo pictórico, desarrollando por otro lado lo que podría llamarse un medio propio, tanto por su calidad grafica como por sus posibilidades expresivas.

La posible solubilidad del rotulador, tanto en alcohol como en agua, permite traducir el dibujo a un lenguaje próximo al pictórico, sin que este llegue a perder el puro carácter de dibujo.


Los rotuladores Copic son posiblemente los mejores rotuladores o al menos los más usados para colorear ilustraciones. De gran calidad y con una gran variedad de colores se utilizan para los trabajos profesionales. La marca que los fabrica es la empresa japonesa Too.

Existen más marcas que comercializan rotuladores: Staedtler, Faber Castell, Pentel, Stabilo, Caran D´Ache, Posca, Edding, Royal Sovereign Magic Marker o Letraset.


Base volátil (alcohol): secan más rápido
Magic Market 123
Edding 600
Pentel
Stabilo 50
Mecanorma 116
Pantone de Letraset 203
Copic

Base acuosa:
Staedtler punta fina
Marcadores-pinceles Mars
Posca




Rotuladores Copic:

Los Copic son rotuladores de tinta con base de alcohol empleados principalmente en trabajos de diseño gráfico y bellas artes.

Muy utilizados para colorear los dibujos de Manga.

No son tóxicos y son libres de ácido.

Características.

-Punta semirrígida permite cubrir grandes superficies de manera uniforme.
-Se autoalimenta de tinta.
-La tinta seca con rapidez y ello permite superponer y yuxtaponer colores casi al instante.

Existen actualmente 4 tipos diferentes de Copic :

Copic Marker : Son la gama más profesional. Su forma es cuadrada para un mejor agarre y para evitar que rueden el las superficies. Tienen doble punta, una biselada y la otra que es un fino pincel, son recargables y las puntas intercambiables. En ambos tapones llevan grabado su código y son aptos para la aerografía. 214 colores.

Copic Sketch : De forma ovalada sus características son muy similares a los Copic Marker, salvo que la punta-pincel es algo más gruesa. También son aptos para la aerografía. 334 colores.

Copic Ciao : Son la gama más sencilla de los Copic, también los más económicos, de forma redonda y no aptos para la aerografía. Las puntas son idénticas a los Copic Sketch y son también intercambiables y recargables, aunque su recarga dura menos que la de los Sketch. Serían los ideales para principiantes. El cído del color va grabado en el cuerpo del rotulador, no en los tapones. 144 colores.

Copic Wide : Son apropiados para rotulación y para llenar de color grandes espacios por su punta biselada de gran tamaño (21 mm). No es apto para aerografia. 36 colores.

Los cuatro tipos de rotuladores son perfectamente compatibles entre sí, pudiéndose utilizar en un mismo proyecto ya que su carta de colores es común a todos ellos, sumando una totalidad de 334 colores.

Técnica con Rotulador:

Se puede realizar un dibujo de base (gráfito HB) sobre el que pintar, teniendo en cuenta que donde el rotulador pinte la base de grafito no podrá ser borrada. También puede se puede dibujar o pintar (trabajo con línea o relleno con textura o plano de color) directamente.

Técnica del trazado:

El trazado, o línea fina o gruesa, es la forma de aplicar la tinta. Aunque tambien se puede utilizar el puntillismo o la aplicación de texturas por modulos de repetición, pequeños trazos, circulos, etc.

Para la aplicación de fondos o superficies amplias utilzaremos rotuladores de punta ancha, en forma de pincel o también bisel.

Para coloración de pequeños espacios, texturas o detalles, puntas medias y finas en forma de bala.

Técnica relleno y linea. Peinado. Alfredo Cabrera

Coloración de superficies:

Se aplicaran la tinta mediante trazos sucesivos, siendo tres la técnicas convencionales:

-el trazado paralelo
-el peinado
-el fundido.

Aunque en la actualidad se experimenta más alla de estas técnicas, con estilos más libres y expresivos.

Técnicas de paralelas, todos los trazos tienen el mismo sentido para dar unidad al dibujo. En vertical u horizontal.

La técnica del peinado, utilizado también en el lápiz de color, el tramado de líneas siguen el sentido del objeto.

La técnica del fundido, cuando no queramos que las huellas del rotulador sean visibles, fundiremos los colores, trabajaremos en fresco, utilizando rotuladores nuevos. También podemos utilizar un rotulador de fundido para mezclar las tonalidades y degradarlas.

 

 La técnica de la mecha, se aplica con el fieltro del rotulador o mecha una vez fuera de la carcasa, para rellena fondos muy amplios.

Los más utilizados son los que contienen una base de alcohol. Una vez secos, el color es indeleble y, al ser transparente, permite trabajarse por superposición de tonos sin que se mezclen.

El ilustrador profesional suele trabajar con una gama muy extensa de colores, que le evita realizar mezclas, ya que es muy difícil con esta técnica.

Puede dar espléndidos resultados en combinación con otros procedimientos como el pastel, los lápices de colores o la acuarela.

Rapidez

El rotulador es un buen instrumento para realizar bocetos de una ilustración en color, por su rapidez en el secado y trazado.

El papel

El papel debe ser liso, sin grano, de base satinada.
El papel debe ser absorbente, para que la tinta no debe correrse sobre la superficie del papel.
El papel deber ser no totalmente opaco para poder calcar el modelo.
papel con capa aislante en su dorso para no calar.
El papel para rotulador debe llevar estas indicaciones: marker, marqueur, feutre, lay-out, esquise, en formato A4, A3, A2, tanto en hojas sueltas como en blocs.

Papel layout o copic.
Papel de la marca GUARRO, Canson: dibujo lineal.
Papel marca Guarro, Canson 185 gm. Smooth Paper. Paquetes de 40 papeles A4. Tipo cartulina.
Papel japonés.

Colores mínimos: 

3 grises frios
3 grises calidos
1 negro
Colores primarios 3 de cada uno.
Gamas de colores de verdes o marrones, naranjas etc.

El rotulador es muy expresivo porque se basa en la línea como elemento gráfico principal y además puede aportar dirección, puntos, texturas, masas de color, tachaduras, frotados, mezclas de color entre los colores en el propio papel« Si además se mezcla con dibujo, pintura e incluso collage (papeles o fotos pegados), aumenta su riqueza, su mensaje y expresión.Los que recurren más a esta técnica son Harry Borgman y Paul Hogarth.

 

Trazos de rotulador:

 

Existen cuatro tipos de plumas de punta porosa:

Rotuladores de estudio de punta biselada

Rotuladores con punta en forma de bala
Rotuladores de línea fina
Marcadores-pinceles

La gran virtud del rotulador de punta biselada es su versatilidad, permite trazar dos o tres líneas diferentes. Se puede crear una línea ancha, para rellenar zonas amplias de color, utilizando la punta plana de lado a lado.

Dando vuelta a la punta y apoyando sólo la esquina, se puede trazar una punta muy fina y uniforme. Un tercer tipo de línea se crea utilizando la punta biselada a lo largo, en vez de a lo ancho.

Los rotuladores con punta en forma de bala no hacen tanta variedad de trazos, pero son mejores para trabajos detallados, en los que la calidad es importante. Sin embargo es mucho más difícil rellenar una zona amplia, obteniendo casi siempre un efecto franjeado. No obstante, algunos artistas usan sólo pinceles-marcadores o rotuladores de punta fina.

El marcador resulta especialmente útil, con su punta larga y flexible,que se curva como un pincel y crea líneas sinuosas, de anchura variable.

Los de punta fina son excelentes para trabajos detallados.Todo depende del trabajo para el que se usa el rotulador, de la técnica empleada y del gusto personal.

Disolución del color:

Una vez que se pinta con el rotulador sobre el papel, dependiendo del grado de absorción de su superficie, a la tinta se puede volver a humedecer y provocar diferentes efectos de fundido. Los rotuladores permiten interesantes efectos de fusión, tanto si se mezclan unos con otros, como si se aplica sobre el trazo una pincelada cargada de alcohol.

Efectos

El rotulador tiene una tinta transparente que se puede mezclar o fundir sobre el papel; al igual que la técnica de la acuarela, la transparencia de la tinta no permite la realización de opacidades, por lo cual la técnica del rotulador prescinde de la utilización del color blanco opaco, utilizando siempre como base de luminosidad el color del fondo del papel

El rotulador permite un trabajo de grafismo suelto con reminiscencias primitivas o infantiles, una factura más bruta. Se puede utilizar la técnica del collage, previamente coloreados los papeles rasgados o recortados, como los ejemplos de Sam Tolims.

Fuente: ilustrandoenlaescueladearte.blogspot.com.es

El Encaje

Uno de los principales problemas con los que nos encontramos a la hora de hacer un dibujo del natural es, sin duda, su proporcionalidad.

Cuando decides realizar un dibujo debes ser capaz de sintetizar la escena y lograr, mediante líneas, representar todos los objetos del motivo escogido.

Estos objetos tienen diferentes formas y se encuentran a distintas distancias unos de otros así como de la vista del espectador haciendo que la luz incida en ellos de diferentes formas.

Para conseguir armonizar la escena y que las medidas y distancias de todos los objetos sean las correctas y estén perfectamente proporcionadas es para lo que recurrimos a la técnica del encaje.

El encaje será lo primero que haremos de nuestro dibujo y consistirá en trazar unas líneas muy básicas que marquen las proporciones de la escena.

Tal y como su nombre indica, el encaje, consiste en meter en cajas los distintos objetos observando sus proporciones y distancias.

Lo primero que debemos hacer es elegir el formato en el que vamos a dibujar.

Éste tiene que ser adecuado al encuadre que queramos ya que esto influirá en el aspecto final de nuestro dibujo.

De esta manera, la horizontalidad de un paisaje requerirá un formato apaisado así como un retrato suele precisar de un formato más alto que ancho. 

Mediante los sistemas que hemos visto anteriormente, con un lápiz, una varilla de medir, una regla..., tomaremos mediciones de las distintas líneas de fuerza y haremos comparaciones del tipo "la altura de la manzana es la mitad de la de la botella..." e iremos sintetizando en figuras geométricas básicas los distintos objetos.

Estos objetos quedarán representados de manera muy esquemática pero sus alturas y anchuras serán proporcionales.

El resultado será un excelente esqueleto sobre el que trabajar.

A continuación podremos valorar de nuevo nuestra escena y trabajar aspectos como el volúmen de los objetos, la luz que incide en ellos, las sombras que se proyectan...así como cualquier otro detalle que creamos importante.

Procesos Clásicos de Creación Artística

Cuando nos referimos a las Artes Plásticas Tradicionales existen diversos procedimientos que podemos clasificar en dos tipos:

Técnicas bidimensionales (2D): Dibujo, Pintura,  Grabado, Litografía, Monotipia, Serigrafía...

Técnicas Tridimensionales (3D): Escultura, Assemblage, Instalaciones

A continuación vamos a desarrollar algunas de ellas:

Técnicas de dibujo y pintura

Aquí deberíamos dividir las técnicas existentes en dos grandes grupos.

Técnicas Secas: En este grupo estarían el grafito, los lápices de colores, el carboncillo/sanguina, las cretas, las ceras, los pasteles, los rotuladores y los bolígrafos.

Como soporte suele utilizarse el papel.

Existe una amplia variedad de papeles y debemos conocer sus propiedades para poder escoger el adecuado.

Esta elección dependerá de la técnica escogida así como del efecto que queramos obtener para nuestra obra y deberemos tener en cuenta aspectos como la rugosidad, la textura, el grosor, el tamaño, su capacidad absorbente...

La característica principal de este grupo de técnicas es que ninguna de ellas necesita un disolvente para poder ser utilizada.

Técnicas Húmedas: En este grupo encontramos las tintas, la acuarela, la témpera, el acrílico y el óleo.

Este grupo de técnicas se caracterizan por necesitar de un disolvente para poder ser utilizadas permitiendo una gran libertad a la hora de crear efectos.

Este disolvente dependerá del tipo de material que empleemos. Por ejemplo el agua disuelve la acuarela, el acrílico, la témpera y algunas tintas. La esencia de trementina (o el el aguarrás) disuelve el óleo mientras que el alcohol es otro disolvente para ciertas tintas.

Otro aspecto importante con estas técnicas es la elección del soporte.

Al ser un grupo de técnicas que emplean disolventes, muy agresivos para el papel en algunos casos, y utilizan un medio acuoso, la adecuada elección del soporte se convierte en algo imprescindible.

De esta manera, las tintas, acuarelas y témperas suelen utilizar el papel como soporte debiendo éste ser lo suficientemente grueso como para permitir que absorba la pintura. Este grosor del papel recibe el nombre de gramaje y se mide en g/m2.

Por otra parte, los acrílicos y los óleos suelen utilizar madera o lienzo como soporte aunque también se pueden trabajar sobre papel muy grueso o cartón.

Dibujo con Grafito

El lápiz grafito es, sin duda, el elemento mas usado por la mayoría de los dibujantes. 

Es uno de los materiales más baratos y al alcance de cualquier bolsillo y las posibilidades artísticas que nos ofrece son muchísimas. 

Lo podemos usar para hacer bocetos sueltos y pruebas así como para lograr obras de extrema calidad. 

Esto se debe principalmente a la gran cantidad de tonalidades que podemos lograr dependiendo de la intensidad y el ángulo con que presionemos el lápiz y la variedad que estos presentan en el mercado según su dureza, lo que permite crear distintas intensidades.  

De esta manera, los lápices duros llevan la letra H. La dureza es mayor cuanto mayor sea el número: 2H, 3H, 4H... El lápiz duro tiene una punta que se desgasta con menos facilidad y su color es gris claro. Es un lápiz para trabajos de precisión como el dibujo técnico.
 

Los lápices blandos llevan la letra B y son más blandos a medida que aumenta el número: 2B, 3B, 4B, 8B... El lápiz blando tiene una punta que se desgasta con más facilidad y su color es gris oscuro. Son más versátiles y expresivos para el artista que el lápiz duro porque permite un mayor rango de valores y texturas según la presión que se aplique al papel.

El lápiz de dureza intermedia se denomina HB.

La elección de uno u otro dependerá como es lógico del resultado que queramos obtener.

Pueden usarse de la misma forma que como escribimos, pero la inclinación u horizontalidad de la superficie de trabajo, el material, etc., influirán de manera importante en el resultado.

La técnica de sombreado básica admite dos formas: con trama abierta o cerrada. 

El lápiz se usa en un ángulo cerrado, aumentando o disminuyendo la presión, dando como resultado sombreados como los del gráfico: zigzag abierto, líneas paralelas cerradas y líneas separadas. 

otra técnica es el "Cross Hatching," que es un tramado cruzado. 

Dibujas una serie de líneas diagonales y luego inclinas el papel y dibujas otra serie de líneas que las crucen. 

Se puede obtener una menor o mayor oscuridad según la separación que le dejes entre las líneas.

Otra técnica es el "Circulismo," que consiste en dibujar una serie de círculos pequeños que se superponen entre sí. No es necesario que los círculos sean perfectos, solamente hacerlos lo suficientemente pequeños y juntos. 

La oscuridad de la sombra depende del tamaño de los círculos que dibujemos asi como la presión que hagamos con el lápiz. 

El Circulismo es muy útil para dibujar la piel de las personas, ya que el acabado es irregular. Para este caso es bueno hacer los círculos suavemente.

Finalmente, estas tres técnicas mencionadas se pueden complementar con el Suavizado. Utilizando un trozo de papel normal, alguna tela suave o un esfumino mezclamos el grafito que pintamos en nuestro dibujo. El resultado es un color uniforme, suave.

El Torii Japonés

Un torii (鳥居) es un arco tradicional japonés que suele encontrarse a la entrada de los santuarios sintoístas, marcando la frontera entre el espacio profano y el sagrado.

Su estructura está conformada por dos columnas verticales sobre las que se sustentan dos travesaños paralelos, a menudo pintados con colores rojos.

Algunos poseen tablas escritas en las barras horizontales.

Tradicionalmente, los torii eran de madera o piedra, pero recientemente se han comenzado a hacer en acero o acero inoxidable.

El origen de la palabra torii es desconocido.

Una teoría es que el primer carácter puede venir de tori (鳥, pájaro) y la i de (居, lugar), siendo un arco torii un lugar diseñado para que los pájaros se posen.


En la cultura sintoísta, los pájaros son considerados mensajeros de los kami (Dioses).

Otra teoría es que el término provenga de toriiru (取り入る, pasar y entrar).

Una antigua leyenda japonesa relata que la diosa del sol Amaterasu, tremendamente molesta con su travieso hermano, se había ocultado en una caverna y tapado la entrada con una roca, provocando un eclipse.

Los hombres, temiendo que el sol no volviera, construyeron por consejo de un sabio una gran pértiga para pájaros y colocaron allí todos los gallos del pueblo.

Cuando los gallos comenzaron a cacarear ruidosamente, la diosa no resistió la curiosidad y se asomó fuera de la cueva, abriendo apenas la entrada.

Un enorme luchador de sumo empujó entonces la roca, permitiendo salir al sol.

Según esta leyenda aquella construcción para colocar a los gallos fue el primer arco torii.

En cualquier caso, el torii se convirtió en símbolo de prosperidad y buena suerte y su uso se extendió por todo Japón.

Los alumnos de 4º de ESO del Colegio Sant Vicenç de Paül, celebrando la jornada de decoración del centro, han querido regalar "buena fortuna" a todo aquel que cruce su puerta/torii y se adentre en su aula para descubrir los secretos que en ella se esconden.

De esta manera han diseñado un arco/torii japonés, realizando primero una exhaustiva búsqueda de información en internet acerca de sus características.

Lo han dibujado a tamaño real, han trabajado el color y lo han colocado en la puerta de su aula contribuyendo excelentemente a la decoración del centro.

Animate Surfers 2016 (Portes Obertes)

Con motivo de la celebración de la jornada de Portes Obertes 2016 del colegio Sant Vicenç de Paül (La Soledat), los alumnos de 3º y 4º de E.S.O. han comisariado una exposición en la que han mostrado una selección de sus propios trabajos. 

Ellos se han encargado de escoger la obra y han diseñado el mejor modo de mostrarla al público, convirtiendo el aula de tecnología en una auténtica galería de arte.

Estos trabajos han podido ser vistos por un gran número de familias, que se han acercado a conocer nuestro centro, y ellos mismos han ejercido de galeristas de arte explicando los detalles técnicos y las particularidades de cada obra.

Por otra parte, en la Biblioteca, y tras disfrutar de un pequeño aperitivo, ha sido proyectado el corto "Animate Surfers".

Un cortometraje de animación creado enteramente por los alumnos utilizando diferentes téncicas de animación 2D (Stop Motion).

Han sido sin duda unos meses de mucho trabajo y dedicación en la que los alumnos han puesto lo mejor de sí mismos y han regalado mucho de su tiempo libre con el único objetivo de aprender los secretos de la animación.

Su genio creativo así como su enorme esfuerzo queda patente una vez ves el vídeo. 

Se trata de una misteriosa pieza audiovisual en la que quedan representados sus sentimientos, sus sueños, su creatividad, sus dudas, sus miedos... su arte en definitiva y espero que la disfrutéis tanto como nosotros.

Animate Surfers 2016 from Jordi Payeras

Diferencia entre Plano, Secuencia, Escena y Toma

Este  post pretende explicar las diferencias entre los conceptos Plano, Secuencia, Escena y Toma.

Expresiones que aparecen contínuamente en el lenguaje audiovisual y que muchas veces nos llevan a confusión en cuanto a su interpretación.

Lo primero que debemos tener en cuenta es que los cuatro se refieren a diferentes fracciones de tiempo.

De esta manera, será la unión de los cuatro la que dará lugar al producto final que definimos como largometraje, ya que una escena no podría existir si ésta no estuviese compuesta por diferentes planos (con la excepción del fijo o secuencia). Veamos entonces qué tipo de significado posee cada uno.

Plano

El plano es el fragmento más pequeño del lenguaje audiovisual.

Se trata de la acción grabada desde un punto de vista concreto y con un encuadre específico.

La sucesión de éstos y la forma de mostrarse será algo que influirá directamente en el ritmo de la película. 

Por ello, en momentos dramáticos y de reflexión se suelen usar primeros planos de gran duración.

 Mientras que en puntos de acción es habitual ver una sucesión muy acelerada de éstos, lo cual es empleado para transmitir todo el frenesí que acompaña a ese instante.

Por otro lado también existe el plano secuencia, algo que hemos podido ver en numerosos productos audiovisuales, como True Detective (episodio cuarto de la primera temporada) o Birdman. Aquí la escena no está contada uniendo pequeños fragmentos de planos, sino que el director decide por acompañar al personaje durante toda la acción sin (aparentemente) parar de grabar.

Escena

Es una unidad de acción, delimitada por el espacio y el tiempo.

Así, cuando cambien de lugar o se produzca una alteración en el tiempo (un flashback o flashforward), el lenguaje audiovisual nos estará indicando un diferente punto narrativo y, por tanto, el cambio de escena.

Secuencia 

Si lo aplicamos a la literatura sería equiparable al capítulo de un libro.

Es la división de una historia que posee un sentido completo. Es decir, que una misma idea está vinculada o conectada por diferentes escenas. Al contrario que ocurre con la escena, la secuencia sí que suele tener sentido como unidad independiente y está dotada de un principio con un final.

P.e.La secuencia de Forrest Gump en el banco.

Toma 

Es el momento desde que empiezan a grabar hasta que se termina.

Esta empieza desde que el director indica “acción” hasta que finaliza.

Por ello, es habitual dividir en tomas los diferentes intentos para conseguir una escena. Más tarde, todas esas tomas serán valoradas por el director para determinar cuál de ellas es la más adecuada para el montaje final.

El número de tomas para conseguir una buena escena dependerá de muchos factores, ya sea la habilidad de los actores, la dificultad de lo representado o incluso el nivel de exigencia que establezca el propio director.

Tipos de planos en el cine

Sin duda, otro de los conceptos importantes que debemos tener en cuenta a la hora de realizar nuestras animaciones es el tipo de plano con el que queremos transmitir la historia ya que de ellos dependerá en gran medida la carga emocional de nuestra pieza audiovisual y repercutirá en su calidad final. 

A continuación he incluido una lista con los diferentes tipos de planos con los que suelen trabajar la mayoría de directores de cine. 

Deberemos conocer alguno de ellos, observar sus características y aplicarlos en función de lo que queramos conseguir en nuestra película.

Plano general (Long shot)

Introduce al espectador en la situación, le ofrece una vista general y le informa acerca del lugar y de las condiciones en que se desarrolla la acción. 

Suele colocarse al comienzo de una secuencia narrativa. 

En un plano general se suelen incluir muchos elementos, por lo que su duración en pantalla deberá ser mayor que la de un primer plano para que el espectador pueda orientarse y hacerse cargo de la situación. 

Puede realizarse de varios modos, según su grado de generalidad.

Plano panorámico general:

Es una filmación que abarca muchos elementos muy lejanos. En él los personajes tendrán menos importancia que el paisaje. Por ejemplo, una cabaña en el bosque vista de lejos. Las personas se verán pequeñas.

Gran plano general: 

Es una panorámica general con mayor acercamiento de objetos o personas. (Alrededor de 30 metros).

Plano general corto:
 

Abarca la figura humana entera con espacio por arriba y por abajo.

Plano americano: Toma a las personas de la rodilla hacia arriba. 

Su línea inferior se encuentra por debajo de las rodillas.

 

Plano en profundidad: Cuando el director coloca a los actores entre sí sobre el eje óptico de la cámara dejando a unos en primer plano y a otros en plano general o plano americano. 

No se habla de dos planos, primer plano o segundo plano, como haríamos en lenguaje coloquial, pues hemos definido plano, por razones prácticas, como sinónimo de encuadre.

Plano medio (Medium shot)

Limita ópticamente la acción mediante un encuadre más reducido y dirige la atención del espectador hacia el objeto. 

Los elementos se diferencian mejor y los grupos de personas se hacen reconocibles y pueden llegar a llenar la pantalla.

Plano medio largo:encuadre que abarca a la figura humana hasta debajo de la cintura.

Plano medio corto (Medium close shot): encuadre de una figura humana cuya línea inferior se encuentra a la altura de las axilas. 

Es mucho más subjetivo y directo que los anteriores. 


Los personajes pueden llegar a ocupar la pantalla con un tercio de su cuerpo, y permite una identificación emocional del espectador con los actores. 

Mediante este encuadre es posible deslizar también muchos otros elementos significativos. 
 

Primer plano (Close up): encuadre de una figura humana por debajo de la clavícula. El rostro del actor llena la pantalla. 

Tiene la facultad de introducirnos en la psicología del personaje. 

Con este encuadre se llega a uno de los extremos del lenguaje visual: los objetos crecen hasta alcanzar proporciones desmesuradas y se muestran los detalles (ojos, boca, etc.).

Semiprimer plano (Semi close up shot): Concentra la atención del espectador en un elemento muy concreto, de forma que sea imposible que lo pase por alto. 

Si se refiere al cuerpo humano, este tipo de encuadre nos mostrará una cabeza llenando completamente el formato de la imagen. 

Desde el punto de vista narrativo nos puede transmitir información sobre los sentimientos, analiza psicológicamente las situaciones y describe con detenimiento a los personajes.

Gran primer plano: cuando la cabeza llena el encuadre.

Plano corto: encuadre de una persona desde encima de las cejas hasta la mitad de la barbilla.

Plano detalle: Primerísimos planos de objetos o sujetos, flores, una nariz, un ojo, un anillo, etc.

Storyboard

El Storyboard es un conjunto imágenes mostradas una detrás de otra con el fin de planificar aspectos técnicos de una animación o cualquier otro medio gráfico o interactivo.

Basicamente el stoyboard es un guion gráfico, que nos permite la previsualización de nuestra animación antes de que este terminada. 

En éste se plantean las ideas principales de nuestro guion técnico y literario, y se planifican los detalles de cada escena.

La forma de eleborar un storyboard varía en función del uso que tengamos que darle y del medio que estemos utilizando (poster, web, cartel, animación...).

Los storyboards, aunque son una herramienta técnica, constituyen en sí piezas artísticas habiendo incluso coleccionistas de este tipo de arte que pagan auténticas fortunas por los dibujos originales. 



¿Como se debe hacer un Storyboard?
 
Una vez escrito el guión literario, deberás pensar en las imágenes que deseas tomar para mostrar y explicar lo que la voz está narrando. 

Realiza un sketch (dibujo) de cada una de las escenas de tu pieza audiovisual que mantenga una coherencia con tu guión literario. 

La historia debe ser entendible con un simple vistazo al storyboard y aunque no es necesario que seas un gran dibujante debes hacer un esfuerzo en este apartado y conseguir que explique tu historia.

Combina planos generales con planos-detalle a medida que esos detalles son mencionados en la película. 

Realiza cambios de plano coherentes que ayuden a la comprensión de tu guión y consigan los efectos emocionales que requieras pero no cometas errores de racord.

Utiliza sabiamente los silencios de voz dejando respirar a las imágenes.

Existen varias formas de construir los storyboards pero, usualmente, incluyen los planos, personajes en el rodaje, la duración del rodaje y breve recuento de lo que está sucediendo en la toma. También se le pueden agregar otras anotaciones como, por ejemplo, si la toma será utilizada en otra parte de la película (por ejemplo, para un flashback). 

En el storyboard, las tomas se presentan como historietas y en cada cuadro, se tienen que ver los movimientos que suceden en la toma.
 
Debemos detallar las líneas principales de la película, tomar las decisiones donde quedaron dudas y calcular la duración de cada escena. 

Re-interpretando el Guernica de Pablo Picasso

En esta ocasión hemos querido acercarnos a Pablo Picasso y lo hemos hecho reinterpretando una de sus grandes obras, el Guernica, en un proceso que nos ha llevado a estudiar su historia y su narrativa.

Los alumnos de 4º de E.S.O., durante una primera fase de documentación, han buscado información sobre Picasso y El Guernica. 

Han recopilado datos sobre la época en la que fue pintada la obra y han buceado por su contexto histórico, descubriendo poco a poco los detalles simbólicos que el autor reflejó en su obra. 

Como trabajo de investigación, han realizado una ficha donde se presentan de manera resumida los datos más relevantes.

En el cuadro de Picasso aparecen representados nueve símbolos: seis seres humanos y tres animales (toro, caballo y paloma).

De izquierda a derecha, los personajes son los siguientes:

Toro. Aparece en la izquierda del cuadro, con el cuerpo oscuro y la cabeza blanca. Este voltea y parece mostrarse aturdido ante lo que ocurre a su alrededor. Al ser preguntado sobre el simbolismo del toro, Picasso indicó que simbolizaba "brutalidad y oscuridad".

Madre con hijo muerto. Se sitúa bajo el toro, como protegida por él, con la cara vuelta hacia el cielo en un ademán o grito de dolor. Su lengua es afilada como un estilete y sus ojos tienen forma de lágrimas. Sostiene en sus brazos a su hijo ya muerto. Los ojos del niño carecen de pupilas, ya que está muerto.

Paloma. Situada entre el toro y el caballo, a la altura de sus cabezas, no resulta visible a simple vista, pues, excepto por una franja de color blanco, es del mismo color que el fondo y únicamente está trazada su silueta. Tiene un ala caída y la cabeza vuelta hacia arriba, con el pico abierto. Generalmente se ha considerado un símbolo de la paz rota. Sin embargo puede tratarse de la alegoría de la Música, una de las Artes destruidas por los militares rebeldes durante el bombardeo de Madrid. En los bocetos fechados en abril, la música, estaba representada por una oreja. 

Guerrero muerto. En realidad, sólo aparecen los restos de la cabeza, brazo completo o antebrazo derecho y antebrazo izquierdo. Un brazo tiene la mano extendida. El otro brazo sostiene una espada rota y una flor, que puede interpretarse como un rayo de esperanza dentro de ese panorama descorazonador o que la espada florece, por ser de madera, como el resto del guerrero, indicando que es una talla rota, es decir, otra de las Artes destruida por los rebeldes, la Escultura.

Bombilla. Es una de las imágenes que más intriga despierta, imagen ubicada en el centro del cuadro. Se ha dicho que esta simboliza el avance científico y electrónico que se convierte en una forma de avance social pero al mismo tiempo en una forma de destrucción masiva en las guerras modernas.

El bombardeo de Guernica pudo ser una prueba de esta tecnología. La bombilla también puede ser interpretada como una pupila del ojo de la providencia.

Caballo. Ocupa el centro de la composición. Su cuerpo está hacia la derecha, pero su cabeza, igual que la del toro, se vuelve hacia la izquierda. Adelanta una de las patas delanteras para mantenerse en equilibrio, pues parece a punto de caerse.

En su costado se abre una herida vertical y está, además, atravesado por una lanza. Tiene la cabeza levantada y la boca abierta, de donde sobresale la lengua, terminada en punta. Su cabeza y su cuello son grises, el pecho y una de sus patas de color blanco, y el resto de su cuerpo está recubierto por pequeños trazos.

Simboliza a las víctimas inocentes de la guerra. De la herida vertical salía en algún boceto previo Pegaso.

Mujer arrodillada. Otra versión es que la mujer está herida y se acerca a la yegua para descansar de sus heridas. La pierna de la mujer que camina hacia el centro está visiblemente dislocada o cortada, con una hemorragia que trata de frenar inútilmente con su mano derecha, por lo que lleva la pierna arrastrada y ya medio muerta.

Mujer del quinqué. Ilumina la estancia con una vela y avanza con la mirada perdida, como en un estado de shock. Esta mujer se interpreta como una alegoría fantasmagórica de la República.

Tiene su otra mano aprisionándose el pecho justo entre sus dos senos, que salen a relucir a través de la ventana.

Casa en llamas. Picasso logra resaltar la expresividad en la configuración de cada uno de los detalles de sus personajes a través de simples líneas. La casa se convierte en una nueva alusión a las Bellas Artes que están siendo destruidas, la Arquitectura. 

Hombre implorando. Un hombre mirando al cielo como rogando a los aviones que dejen de bombardear, está inspirado en el cuadro de Goya El tres de mayo de 1808 en Madrid. Es la forma artística de decir «basta de guerras».

Flecha oblicua. Situada bajo las nalgas del caballo. Su figura simboliza la elevación del espíritu del fallecido sobre la opresión de los poderes hegemónicos. El alma del caído sufre y suplica arrepentimiento a la desdichada madre. Él y el niño harán juntos el paso al más allá. La flecha es considerada por otros, símbolo de la guerra; de ésta guerra. 

La mujer con los brazos al cielo. Brazos en alto, cayendo vertical, envuelta en su casa que arde y se desploma, clamando al cielo ante ese fuego que cae desde él, desde unos aviones que en el cuadro no figuran, la mujer arriba a la derecha se ha convertido, junto con esa otra a la izquierda que lleva en brazos a su hijo muerto, en símbolo del horror de la guerra moderna.

Como experimento pictórico les propuse a los alumnos realizar su particular interpretación de la obra de Picasso (habiéndo investigado profundamente sobre ella) incluyendo color en la misma.

El resultado no puede ser más místico y maravilloso: