El Rotulador

En la técnica del rotulador se aplica directamente sobre el papel el color deseado, realizandose la mezcla tonalidad sobre tonalidad, con un acabado donde prima la transparencia, de forma similar a la acuarela.

El rotulador es un invento japones de principios de los 60, es la consecuencia de la evolución del pincel. Lo más correcto sería llamarle, pluma de fieltro, puesto que tienen depósito como algunos pinceles japoneses.


El rotulador, así como los demás útiles de dibujo con punta de fieltro o nylon, presenta unas características idóneas para aproximaciones del dibujo al campo pictórico, desarrollando por otro lado lo que podría llamarse un medio propio, tanto por su calidad grafica como por sus posibilidades expresivas.

La posible solubilidad del rotulador, tanto en alcohol como en agua, permite traducir el dibujo a un lenguaje próximo al pictórico, sin que este llegue a perder el puro carácter de dibujo.


Los rotuladores Copic son posiblemente los mejores rotuladores o al menos los más usados para colorear ilustraciones. De gran calidad y con una gran variedad de colores se utilizan para los trabajos profesionales. La marca que los fabrica es la empresa japonesa Too.

Existen más marcas que comercializan rotuladores: Staedtler, Faber Castell, Pentel, Stabilo, Caran D´Ache, Posca, Edding, Royal Sovereign Magic Marker o Letraset.


Base volátil (alcohol): secan más rápido
Magic Market 123
Edding 600
Pentel
Stabilo 50
Mecanorma 116
Pantone de Letraset 203
Copic

Base acuosa:
Staedtler punta fina
Marcadores-pinceles Mars
Posca




Rotuladores Copic:

Los Copic son rotuladores de tinta con base de alcohol empleados principalmente en trabajos de diseño gráfico y bellas artes.

Muy utilizados para colorear los dibujos de Manga.

No son tóxicos y son libres de ácido.

Características.

-Punta semirrígida permite cubrir grandes superficies de manera uniforme.
-Se autoalimenta de tinta.
-La tinta seca con rapidez y ello permite superponer y yuxtaponer colores casi al instante.

Existen actualmente 4 tipos diferentes de Copic :

Copic Marker : Son la gama más profesional. Su forma es cuadrada para un mejor agarre y para evitar que rueden el las superficies. Tienen doble punta, una biselada y la otra que es un fino pincel, son recargables y las puntas intercambiables. En ambos tapones llevan grabado su código y son aptos para la aerografía. 214 colores.

Copic Sketch : De forma ovalada sus características son muy similares a los Copic Marker, salvo que la punta-pincel es algo más gruesa. También son aptos para la aerografía. 334 colores.

Copic Ciao : Son la gama más sencilla de los Copic, también los más económicos, de forma redonda y no aptos para la aerografía. Las puntas son idénticas a los Copic Sketch y son también intercambiables y recargables, aunque su recarga dura menos que la de los Sketch. Serían los ideales para principiantes. El cído del color va grabado en el cuerpo del rotulador, no en los tapones. 144 colores.

Copic Wide : Son apropiados para rotulación y para llenar de color grandes espacios por su punta biselada de gran tamaño (21 mm). No es apto para aerografia. 36 colores.

Los cuatro tipos de rotuladores son perfectamente compatibles entre sí, pudiéndose utilizar en un mismo proyecto ya que su carta de colores es común a todos ellos, sumando una totalidad de 334 colores.

Técnica con Rotulador:

Se puede realizar un dibujo de base (gráfito HB) sobre el que pintar, teniendo en cuenta que donde el rotulador pinte la base de grafito no podrá ser borrada. También puede se puede dibujar o pintar (trabajo con línea o relleno con textura o plano de color) directamente.

Técnica del trazado:

El trazado, o línea fina o gruesa, es la forma de aplicar la tinta. Aunque tambien se puede utilizar el puntillismo o la aplicación de texturas por modulos de repetición, pequeños trazos, circulos, etc.

Para la aplicación de fondos o superficies amplias utilzaremos rotuladores de punta ancha, en forma de pincel o también bisel.

Para coloración de pequeños espacios, texturas o detalles, puntas medias y finas en forma de bala.

Técnica relleno y linea. Peinado. Alfredo Cabrera

Coloración de superficies:

Se aplicaran la tinta mediante trazos sucesivos, siendo tres la técnicas convencionales:

-el trazado paralelo
-el peinado
-el fundido.

Aunque en la actualidad se experimenta más alla de estas técnicas, con estilos más libres y expresivos.

Técnicas de paralelas, todos los trazos tienen el mismo sentido para dar unidad al dibujo. En vertical u horizontal.

La técnica del peinado, utilizado también en el lápiz de color, el tramado de líneas siguen el sentido del objeto.

La técnica del fundido, cuando no queramos que las huellas del rotulador sean visibles, fundiremos los colores, trabajaremos en fresco, utilizando rotuladores nuevos. También podemos utilizar un rotulador de fundido para mezclar las tonalidades y degradarlas.

 

 La técnica de la mecha, se aplica con el fieltro del rotulador o mecha una vez fuera de la carcasa, para rellena fondos muy amplios.

Los más utilizados son los que contienen una base de alcohol. Una vez secos, el color es indeleble y, al ser transparente, permite trabajarse por superposición de tonos sin que se mezclen.

El ilustrador profesional suele trabajar con una gama muy extensa de colores, que le evita realizar mezclas, ya que es muy difícil con esta técnica.

Puede dar espléndidos resultados en combinación con otros procedimientos como el pastel, los lápices de colores o la acuarela.

Rapidez

El rotulador es un buen instrumento para realizar bocetos de una ilustración en color, por su rapidez en el secado y trazado.

El papel

El papel debe ser liso, sin grano, de base satinada.
El papel debe ser absorbente, para que la tinta no debe correrse sobre la superficie del papel.
El papel deber ser no totalmente opaco para poder calcar el modelo.
papel con capa aislante en su dorso para no calar.
El papel para rotulador debe llevar estas indicaciones: marker, marqueur, feutre, lay-out, esquise, en formato A4, A3, A2, tanto en hojas sueltas como en blocs.

Papel layout o copic.
Papel de la marca GUARRO, Canson: dibujo lineal.
Papel marca Guarro, Canson 185 gm. Smooth Paper. Paquetes de 40 papeles A4. Tipo cartulina.
Papel japonés.

Colores mínimos: 

3 grises frios
3 grises calidos
1 negro
Colores primarios 3 de cada uno.
Gamas de colores de verdes o marrones, naranjas etc.

El rotulador es muy expresivo porque se basa en la línea como elemento gráfico principal y además puede aportar dirección, puntos, texturas, masas de color, tachaduras, frotados, mezclas de color entre los colores en el propio papel« Si además se mezcla con dibujo, pintura e incluso collage (papeles o fotos pegados), aumenta su riqueza, su mensaje y expresión.Los que recurren más a esta técnica son Harry Borgman y Paul Hogarth.

 

Trazos de rotulador:

 

Existen cuatro tipos de plumas de punta porosa:

Rotuladores de estudio de punta biselada

Rotuladores con punta en forma de bala
Rotuladores de línea fina
Marcadores-pinceles

La gran virtud del rotulador de punta biselada es su versatilidad, permite trazar dos o tres líneas diferentes. Se puede crear una línea ancha, para rellenar zonas amplias de color, utilizando la punta plana de lado a lado.

Dando vuelta a la punta y apoyando sólo la esquina, se puede trazar una punta muy fina y uniforme. Un tercer tipo de línea se crea utilizando la punta biselada a lo largo, en vez de a lo ancho.

Los rotuladores con punta en forma de bala no hacen tanta variedad de trazos, pero son mejores para trabajos detallados, en los que la calidad es importante. Sin embargo es mucho más difícil rellenar una zona amplia, obteniendo casi siempre un efecto franjeado. No obstante, algunos artistas usan sólo pinceles-marcadores o rotuladores de punta fina.

El marcador resulta especialmente útil, con su punta larga y flexible,que se curva como un pincel y crea líneas sinuosas, de anchura variable.

Los de punta fina son excelentes para trabajos detallados.Todo depende del trabajo para el que se usa el rotulador, de la técnica empleada y del gusto personal.

Disolución del color:

Una vez que se pinta con el rotulador sobre el papel, dependiendo del grado de absorción de su superficie, a la tinta se puede volver a humedecer y provocar diferentes efectos de fundido. Los rotuladores permiten interesantes efectos de fusión, tanto si se mezclan unos con otros, como si se aplica sobre el trazo una pincelada cargada de alcohol.

Efectos

El rotulador tiene una tinta transparente que se puede mezclar o fundir sobre el papel; al igual que la técnica de la acuarela, la transparencia de la tinta no permite la realización de opacidades, por lo cual la técnica del rotulador prescinde de la utilización del color blanco opaco, utilizando siempre como base de luminosidad el color del fondo del papel

El rotulador permite un trabajo de grafismo suelto con reminiscencias primitivas o infantiles, una factura más bruta. Se puede utilizar la técnica del collage, previamente coloreados los papeles rasgados o recortados, como los ejemplos de Sam Tolims.

Fuente: ilustrandoenlaescueladearte.blogspot.com.es

Procesos Clásicos de Creación Artística

Cuando nos referimos a las Artes Plásticas Tradicionales existen diversos procedimientos que podemos clasificar en dos tipos:

Técnicas bidimensionales (2D): Dibujo, Pintura,  Grabado, Litografía, Monotipia, Serigrafía...

Técnicas Tridimensionales (3D): Escultura, Assemblage, Instalaciones

A continuación vamos a desarrollar algunas de ellas:

Técnicas de dibujo y pintura

Aquí deberíamos dividir las técnicas existentes en dos grandes grupos.

Técnicas Secas: En este grupo estarían el grafito, los lápices de colores, el carboncillo/sanguina, las cretas, las ceras, los pasteles, los rotuladores y los bolígrafos.

Como soporte suele utilizarse el papel.

Existe una amplia variedad de papeles y debemos conocer sus propiedades para poder escoger el adecuado.

Esta elección dependerá de la técnica escogida así como del efecto que queramos obtener para nuestra obra y deberemos tener en cuenta aspectos como la rugosidad, la textura, el grosor, el tamaño, su capacidad absorbente...

La característica principal de este grupo de técnicas es que ninguna de ellas necesita un disolvente para poder ser utilizada.

Técnicas Húmedas: En este grupo encontramos las tintas, la acuarela, la témpera, el acrílico y el óleo.

Este grupo de técnicas se caracterizan por necesitar de un disolvente para poder ser utilizadas permitiendo una gran libertad a la hora de crear efectos.

Este disolvente dependerá del tipo de material que empleemos. Por ejemplo el agua disuelve la acuarela, el acrílico, la témpera y algunas tintas. La esencia de trementina (o el el aguarrás) disuelve el óleo mientras que el alcohol es otro disolvente para ciertas tintas.

Otro aspecto importante con estas técnicas es la elección del soporte.

Al ser un grupo de técnicas que emplean disolventes, muy agresivos para el papel en algunos casos, y utilizan un medio acuoso, la adecuada elección del soporte se convierte en algo imprescindible.

De esta manera, las tintas, acuarelas y témperas suelen utilizar el papel como soporte debiendo éste ser lo suficientemente grueso como para permitir que absorba la pintura. Este grosor del papel recibe el nombre de gramaje y se mide en g/m2.

Por otra parte, los acrílicos y los óleos suelen utilizar madera o lienzo como soporte aunque también se pueden trabajar sobre papel muy grueso o cartón.

Re-interpretando el Guernica de Pablo Picasso

En esta ocasión hemos querido acercarnos a Pablo Picasso y lo hemos hecho reinterpretando una de sus grandes obras, el Guernica, en un proceso que nos ha llevado a estudiar su historia y su narrativa.

Los alumnos de 4º de E.S.O., durante una primera fase de documentación, han buscado información sobre Picasso y El Guernica. 

Han recopilado datos sobre la época en la que fue pintada la obra y han buceado por su contexto histórico, descubriendo poco a poco los detalles simbólicos que el autor reflejó en su obra. 

Como trabajo de investigación, han realizado una ficha donde se presentan de manera resumida los datos más relevantes.

En el cuadro de Picasso aparecen representados nueve símbolos: seis seres humanos y tres animales (toro, caballo y paloma).

De izquierda a derecha, los personajes son los siguientes:

Toro. Aparece en la izquierda del cuadro, con el cuerpo oscuro y la cabeza blanca. Este voltea y parece mostrarse aturdido ante lo que ocurre a su alrededor. Al ser preguntado sobre el simbolismo del toro, Picasso indicó que simbolizaba "brutalidad y oscuridad".

Madre con hijo muerto. Se sitúa bajo el toro, como protegida por él, con la cara vuelta hacia el cielo en un ademán o grito de dolor. Su lengua es afilada como un estilete y sus ojos tienen forma de lágrimas. Sostiene en sus brazos a su hijo ya muerto. Los ojos del niño carecen de pupilas, ya que está muerto.

Paloma. Situada entre el toro y el caballo, a la altura de sus cabezas, no resulta visible a simple vista, pues, excepto por una franja de color blanco, es del mismo color que el fondo y únicamente está trazada su silueta. Tiene un ala caída y la cabeza vuelta hacia arriba, con el pico abierto. Generalmente se ha considerado un símbolo de la paz rota. Sin embargo puede tratarse de la alegoría de la Música, una de las Artes destruidas por los militares rebeldes durante el bombardeo de Madrid. En los bocetos fechados en abril, la música, estaba representada por una oreja. 

Guerrero muerto. En realidad, sólo aparecen los restos de la cabeza, brazo completo o antebrazo derecho y antebrazo izquierdo. Un brazo tiene la mano extendida. El otro brazo sostiene una espada rota y una flor, que puede interpretarse como un rayo de esperanza dentro de ese panorama descorazonador o que la espada florece, por ser de madera, como el resto del guerrero, indicando que es una talla rota, es decir, otra de las Artes destruida por los rebeldes, la Escultura.

Bombilla. Es una de las imágenes que más intriga despierta, imagen ubicada en el centro del cuadro. Se ha dicho que esta simboliza el avance científico y electrónico que se convierte en una forma de avance social pero al mismo tiempo en una forma de destrucción masiva en las guerras modernas.

El bombardeo de Guernica pudo ser una prueba de esta tecnología. La bombilla también puede ser interpretada como una pupila del ojo de la providencia.

Caballo. Ocupa el centro de la composición. Su cuerpo está hacia la derecha, pero su cabeza, igual que la del toro, se vuelve hacia la izquierda. Adelanta una de las patas delanteras para mantenerse en equilibrio, pues parece a punto de caerse.

En su costado se abre una herida vertical y está, además, atravesado por una lanza. Tiene la cabeza levantada y la boca abierta, de donde sobresale la lengua, terminada en punta. Su cabeza y su cuello son grises, el pecho y una de sus patas de color blanco, y el resto de su cuerpo está recubierto por pequeños trazos.

Simboliza a las víctimas inocentes de la guerra. De la herida vertical salía en algún boceto previo Pegaso.

Mujer arrodillada. Otra versión es que la mujer está herida y se acerca a la yegua para descansar de sus heridas. La pierna de la mujer que camina hacia el centro está visiblemente dislocada o cortada, con una hemorragia que trata de frenar inútilmente con su mano derecha, por lo que lleva la pierna arrastrada y ya medio muerta.

Mujer del quinqué. Ilumina la estancia con una vela y avanza con la mirada perdida, como en un estado de shock. Esta mujer se interpreta como una alegoría fantasmagórica de la República.

Tiene su otra mano aprisionándose el pecho justo entre sus dos senos, que salen a relucir a través de la ventana.

Casa en llamas. Picasso logra resaltar la expresividad en la configuración de cada uno de los detalles de sus personajes a través de simples líneas. La casa se convierte en una nueva alusión a las Bellas Artes que están siendo destruidas, la Arquitectura. 

Hombre implorando. Un hombre mirando al cielo como rogando a los aviones que dejen de bombardear, está inspirado en el cuadro de Goya El tres de mayo de 1808 en Madrid. Es la forma artística de decir «basta de guerras».

Flecha oblicua. Situada bajo las nalgas del caballo. Su figura simboliza la elevación del espíritu del fallecido sobre la opresión de los poderes hegemónicos. El alma del caído sufre y suplica arrepentimiento a la desdichada madre. Él y el niño harán juntos el paso al más allá. La flecha es considerada por otros, símbolo de la guerra; de ésta guerra. 

La mujer con los brazos al cielo. Brazos en alto, cayendo vertical, envuelta en su casa que arde y se desploma, clamando al cielo ante ese fuego que cae desde él, desde unos aviones que en el cuadro no figuran, la mujer arriba a la derecha se ha convertido, junto con esa otra a la izquierda que lleva en brazos a su hijo muerto, en símbolo del horror de la guerra moderna.

Como experimento pictórico les propuse a los alumnos realizar su particular interpretación de la obra de Picasso (habiéndo investigado profundamente sobre ella) incluyendo color en la misma.

El resultado no puede ser más místico y maravilloso: