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miércoles, 27 de abril de 2016

El Encaje

Uno de los principales problemas con los que nos encontramos a la hora de hacer un dibujo del natural es, sin duda, su proporcionalidad.

Cuando decides realizar un dibujo debes ser capaz de sintetizar la escena y lograr, mediante líneas, representar todos los objetos del motivo escogido.

Estos objetos tienen diferentes formas y se encuentran a distintas distancias unos de otros así como de la vista del espectador haciendo que la luz incida en ellos de diferentes formas.

Para conseguir armonizar la escena y que las medidas y distancias de todos los objetos sean las correctas y estén perfectamente proporcionadas es para lo que recurrimos a la técnica del encaje.

El encaje será lo primero que haremos de nuestro dibujo y consistirá en trazar unas líneas muy básicas que marquen las proporciones de la escena.

Tal y como su nombre indica, el encaje, consiste en meter en cajas los distintos objetos observando sus proporciones y distancias.

Lo primero que debemos hacer es elegir el formato en el que vamos a dibujar.

Éste tiene que ser adecuado al encuadre que queramos ya que esto influirá en el aspecto final de nuestro dibujo.

De esta manera, la horizontalidad de un paisaje requerirá un formato apaisado así como un retrato suele precisar de un formato más alto que ancho. 

Mediante los sistemas que hemos visto anteriormente, con un lápiz, una varilla de medir, una regla..., tomaremos mediciones de las distintas líneas de fuerza y haremos comparaciones del tipo "la altura de la manzana es la mitad de la de la botella..." e iremos sintetizando en figuras geométricas básicas los distintos objetos.

Estos objetos quedarán representados de manera muy esquemática pero sus alturas y anchuras serán proporcionales.

El resultado será un excelente esqueleto sobre el que trabajar.

A continuación podremos valorar de nuevo nuestra escena y trabajar aspectos como el volúmen de los objetos, la luz que incide en ellos, las sombras que se proyectan...así como cualquier otro detalle que creamos importante.

martes, 26 de abril de 2016

Procesos Clásicos de Creación Artística

Cuando nos referimos a las Artes Plásticas Tradicionales existen diversos procedimientos que podemos clasificar en dos tipos:

Técnicas bidimensionales (2D): Dibujo, Pintura,  Grabado, Litografía, Monotipia, Serigrafía...

Técnicas Tridimensionales (3D): Escultura, Assemblage, Instalaciones

A continuación vamos a desarrollar algunas de ellas:




Técnicas de dibujo y pintura

Aquí deberíamos dividir las técnicas existentes en dos grandes grupos.

Técnicas Secas: En este grupo estarían el grafito, los lápices de colores, el carboncillo/sanguina, las cretas, las ceras, los pasteles, los rotuladores y los bolígrafos.

Como soporte suele utilizarse el papel.

Existe una amplia variedad de papeles y debemos conocer sus propiedades para poder escoger el adecuado.

Esta elección dependerá de la técnica escogida así como del efecto que queramos obtener para nuestra obra y deberemos tener en cuenta aspectos como la rugosidad, la textura, el grosor, el tamaño, su capacidad absorbente...

La característica principal de este grupo de técnicas es que ninguna de ellas necesita un disolvente para poder ser utilizada.


Técnicas Húmedas: En este grupo encontramos las tintas, la acuarela, la témpera, el acrílico y el óleo.

Este grupo de técnicas se caracterizan por necesitar de un disolvente para poder ser utilizadas permitiendo una gran libertad a la hora de crear efectos.

Este disolvente dependerá del tipo de material que empleemos. Por ejemplo el agua disuelve la acuarela, el acrílico, la témpera y algunas tintas. La esencia de trementina (o el el aguarrás) disuelve el óleo mientras que el alcohol es otro disolvente para ciertas tintas.

Otro aspecto importante con estas técnicas es la elección del soporte.

Al ser un grupo de técnicas que emplean disolventes, muy agresivos para el papel en algunos casos, y utilizan un medio acuoso, la adecuada elección del soporte se convierte en algo imprescindible.

De esta manera, las tintas, acuarelas y témperas suelen utilizar el papel como soporte debiendo éste ser lo suficientemente grueso como para permitir que absorba la pintura. Este grosor del papel recibe el nombre de gramaje y se mide en g/m2.

Por otra parte, los acrílicos y los óleos suelen utilizar madera o lienzo como soporte aunque también se pueden trabajar sobre papel muy grueso o cartón.

Dibujo con Grafito


El lápiz grafito es, sin duda, el elemento mas usado por la mayoría de los dibujantes. 

Es uno de los materiales más baratos y al alcance de cualquier bolsillo y las posibilidades artísticas que nos ofrece son muchísimas. 


Lo podemos usar para hacer bocetos sueltos y pruebas así como para lograr obras de extrema calidad. 

Esto se debe principalmente a la gran cantidad de tonalidades que podemos lograr dependiendo de la intensidad y el ángulo con que presionemos el lápiz y la variedad que estos presentan en el mercado según su dureza, lo que permite crear distintas intensidades.  



De esta manera, los lápices duros llevan la letra H. La dureza es mayor cuanto mayor sea el número: 2H, 3H, 4H... El lápiz duro tiene una punta que se desgasta con menos facilidad y su color es gris claro. Es un lápiz para trabajos de precisión como el dibujo técnico.
 
Los lápices blandos llevan la letra B y son más blandos a medida que aumenta el número: 2B, 3B, 4B, 8B... El lápiz blando tiene una punta que se desgasta con más facilidad y su color es gris oscuro. Son más versátiles y expresivos para el artista que el lápiz duro porque permite un mayor rango de valores y texturas según la presión que se aplique al papel.
El lápiz de dureza intermedia se denomina HB.
La elección de uno u otro dependerá como es lógico del resultado que queramos obtener.
Pueden usarse de la misma forma que como escribimos, pero la inclinación u horizontalidad de la superficie de trabajo, el material, etc., influirán de manera importante en el resultado.
Luz
La técnica de sombreado básica admite dos formas: con trama abierta o cerrada. 

El lápiz se usa en un ángulo cerrado, aumentando o disminuyendo la presión, dando como resultado sombreados como los del gráfico: zigzag abierto, líneas paralelas cerradas y líneas separadas. 


tecnicas

otra técnica es el "Cross Hatching," que es un tramado cruzado. 
Dibujas una serie de líneas diagonales y luego inclinas el papel y dibujas otra serie de líneas que las crucen. 
claves

Se puede obtener una menor o mayor oscuridad según la separación que le dejes entre las líneas.


lapices
Otra técnica es el "Circulismo," que consiste en dibujar una serie de círculos pequeños que se superponen entre sí. No es necesario que los círculos sean perfectos, solamente hacerlos lo suficientemente pequeños y juntos. 
La oscuridad de la sombra depende del tamaño de los círculos que dibujemos asi como la presión que hagamos con el lápiz. 
El Circulismo es muy útil para dibujar la piel de las personas, ya que el acabado es irregular. Para este caso es bueno hacer los círculos suavemente.

Finalmente, estas tres técnicas mencionadas se pueden complementar con el Suavizado. Utilizando un trozo de papel normal, alguna tela suave o un esfumino mezclamos el grafito que pintamos en nuestro dibujo. El resultado es un color uniforme, suave.

Claroscuro