Animate Surfers 2016 (Portes Obertes)

Con motivo de la celebración de la jornada de Portes Obertes 2016 del colegio Sant Vicenç de Paül (La Soledat), los alumnos de 3º y 4º de E.S.O. han comisariado una exposición en la que han mostrado una selección de sus propios trabajos. 

Ellos se han encargado de escoger la obra y han diseñado el mejor modo de mostrarla al público, convirtiendo el aula de tecnología en una auténtica galería de arte.

Estos trabajos han podido ser vistos por un gran número de familias, que se han acercado a conocer nuestro centro, y ellos mismos han ejercido de galeristas de arte explicando los detalles técnicos y las particularidades de cada obra.

Por otra parte, en la Biblioteca, y tras disfrutar de un pequeño aperitivo, ha sido proyectado el corto "Animate Surfers".

Un cortometraje de animación creado enteramente por los alumnos utilizando diferentes téncicas de animación 2D (Stop Motion).

Han sido sin duda unos meses de mucho trabajo y dedicación en la que los alumnos han puesto lo mejor de sí mismos y han regalado mucho de su tiempo libre con el único objetivo de aprender los secretos de la animación.

Su genio creativo así como su enorme esfuerzo queda patente una vez ves el vídeo. 

Se trata de una misteriosa pieza audiovisual en la que quedan representados sus sentimientos, sus sueños, su creatividad, sus dudas, sus miedos... su arte en definitiva y espero que la disfrutéis tanto como nosotros.

Animate Surfers 2016 from Jordi Payeras

Diferencia entre Plano, Secuencia, Escena y Toma

Este  post pretende explicar las diferencias entre los conceptos Plano, Secuencia, Escena y Toma.

Expresiones que aparecen contínuamente en el lenguaje audiovisual y que muchas veces nos llevan a confusión en cuanto a su interpretación.

Lo primero que debemos tener en cuenta es que los cuatro se refieren a diferentes fracciones de tiempo.

De esta manera, será la unión de los cuatro la que dará lugar al producto final que definimos como largometraje, ya que una escena no podría existir si ésta no estuviese compuesta por diferentes planos (con la excepción del fijo o secuencia). Veamos entonces qué tipo de significado posee cada uno.

Plano

El plano es el fragmento más pequeño del lenguaje audiovisual.

Se trata de la acción grabada desde un punto de vista concreto y con un encuadre específico.

La sucesión de éstos y la forma de mostrarse será algo que influirá directamente en el ritmo de la película. 

Por ello, en momentos dramáticos y de reflexión se suelen usar primeros planos de gran duración.

 Mientras que en puntos de acción es habitual ver una sucesión muy acelerada de éstos, lo cual es empleado para transmitir todo el frenesí que acompaña a ese instante.

Por otro lado también existe el plano secuencia, algo que hemos podido ver en numerosos productos audiovisuales, como True Detective (episodio cuarto de la primera temporada) o Birdman. Aquí la escena no está contada uniendo pequeños fragmentos de planos, sino que el director decide por acompañar al personaje durante toda la acción sin (aparentemente) parar de grabar.

Escena

Es una unidad de acción, delimitada por el espacio y el tiempo.

Así, cuando cambien de lugar o se produzca una alteración en el tiempo (un flashback o flashforward), el lenguaje audiovisual nos estará indicando un diferente punto narrativo y, por tanto, el cambio de escena.

Secuencia 

Si lo aplicamos a la literatura sería equiparable al capítulo de un libro.

Es la división de una historia que posee un sentido completo. Es decir, que una misma idea está vinculada o conectada por diferentes escenas. Al contrario que ocurre con la escena, la secuencia sí que suele tener sentido como unidad independiente y está dotada de un principio con un final.

P.e.La secuencia de Forrest Gump en el banco.

Toma 

Es el momento desde que empiezan a grabar hasta que se termina.

Esta empieza desde que el director indica “acción” hasta que finaliza.

Por ello, es habitual dividir en tomas los diferentes intentos para conseguir una escena. Más tarde, todas esas tomas serán valoradas por el director para determinar cuál de ellas es la más adecuada para el montaje final.

El número de tomas para conseguir una buena escena dependerá de muchos factores, ya sea la habilidad de los actores, la dificultad de lo representado o incluso el nivel de exigencia que establezca el propio director.

Tipos de planos en el cine

Sin duda, otro de los conceptos importantes que debemos tener en cuenta a la hora de realizar nuestras animaciones es el tipo de plano con el que queremos transmitir la historia ya que de ellos dependerá en gran medida la carga emocional de nuestra pieza audiovisual y repercutirá en su calidad final. 

A continuación he incluido una lista con los diferentes tipos de planos con los que suelen trabajar la mayoría de directores de cine. 

Deberemos conocer alguno de ellos, observar sus características y aplicarlos en función de lo que queramos conseguir en nuestra película.

Plano general (Long shot)

Introduce al espectador en la situación, le ofrece una vista general y le informa acerca del lugar y de las condiciones en que se desarrolla la acción. 

Suele colocarse al comienzo de una secuencia narrativa. 

En un plano general se suelen incluir muchos elementos, por lo que su duración en pantalla deberá ser mayor que la de un primer plano para que el espectador pueda orientarse y hacerse cargo de la situación. 

Puede realizarse de varios modos, según su grado de generalidad.

Plano panorámico general:

Es una filmación que abarca muchos elementos muy lejanos. En él los personajes tendrán menos importancia que el paisaje. Por ejemplo, una cabaña en el bosque vista de lejos. Las personas se verán pequeñas.

Gran plano general: 

Es una panorámica general con mayor acercamiento de objetos o personas. (Alrededor de 30 metros).

Plano general corto:
 

Abarca la figura humana entera con espacio por arriba y por abajo.

Plano americano: Toma a las personas de la rodilla hacia arriba. 

Su línea inferior se encuentra por debajo de las rodillas.

 

Plano en profundidad: Cuando el director coloca a los actores entre sí sobre el eje óptico de la cámara dejando a unos en primer plano y a otros en plano general o plano americano. 

No se habla de dos planos, primer plano o segundo plano, como haríamos en lenguaje coloquial, pues hemos definido plano, por razones prácticas, como sinónimo de encuadre.

Plano medio (Medium shot)

Limita ópticamente la acción mediante un encuadre más reducido y dirige la atención del espectador hacia el objeto. 

Los elementos se diferencian mejor y los grupos de personas se hacen reconocibles y pueden llegar a llenar la pantalla.

Plano medio largo:encuadre que abarca a la figura humana hasta debajo de la cintura.

Plano medio corto (Medium close shot): encuadre de una figura humana cuya línea inferior se encuentra a la altura de las axilas. 

Es mucho más subjetivo y directo que los anteriores. 


Los personajes pueden llegar a ocupar la pantalla con un tercio de su cuerpo, y permite una identificación emocional del espectador con los actores. 

Mediante este encuadre es posible deslizar también muchos otros elementos significativos. 
 

Primer plano (Close up): encuadre de una figura humana por debajo de la clavícula. El rostro del actor llena la pantalla. 

Tiene la facultad de introducirnos en la psicología del personaje. 

Con este encuadre se llega a uno de los extremos del lenguaje visual: los objetos crecen hasta alcanzar proporciones desmesuradas y se muestran los detalles (ojos, boca, etc.).

Semiprimer plano (Semi close up shot): Concentra la atención del espectador en un elemento muy concreto, de forma que sea imposible que lo pase por alto. 

Si se refiere al cuerpo humano, este tipo de encuadre nos mostrará una cabeza llenando completamente el formato de la imagen. 

Desde el punto de vista narrativo nos puede transmitir información sobre los sentimientos, analiza psicológicamente las situaciones y describe con detenimiento a los personajes.

Gran primer plano: cuando la cabeza llena el encuadre.

Plano corto: encuadre de una persona desde encima de las cejas hasta la mitad de la barbilla.

Plano detalle: Primerísimos planos de objetos o sujetos, flores, una nariz, un ojo, un anillo, etc.

La animación como vehículo sinérgico entre materias

Parte del proyecto Animate Surfers consiste en la introducción progresiva de la animación en las aulas y fomentar el uso responsable de las nuevas tecnologías.

La animación es una tecnología poderosa y su aplicación en las aulas permite tratar los contenidos de forma amena y divertida. En la actualidad existen ya numerosos estudios que apoyan sus beneficios.

Lograr una mayor colaboración y sinérgias entre los diferentes departamentos así como una mayor implicación y motivación del alumnado es otro de los pilares del proyecto.

En esta ocasión hemos querido aplicar los conocimientos sobre animación adquiridos en la asignatura de Plástica a un ámbito no artístico y los resultados han sido tremendamente satisfactorios.

Los alumnos de 4º de ESO, han realizado una animación sobre el ADN durante sus clases de Biología, demostrando que esta metodología es perfectamente aplicable al resto de asignaturas del currículum de ESO.

Este contenido será conservado en un Archivo de Contenidos Multimédia en la biblioteca del centro que estará a disposición del profesorado y que irá creciendo cada año mediante las aportaciones de las diferentes asignaturas.

Quiero agradecer muy especialmente al Departamento de Ciencias y en concreto de la profesora de biología Maite Camarena por su colaboración y entusiasmo a la hora de realizar esta pieza.

El Guión Literario

Cualquier historia, por pequeña que sea, está formada por una serie de elementos interelacionados entre sí que, al ser ordenados de determinada manera, hacen que aquello que queremos contar tenga sentido y presente coherencia.

El primer paso a la hora de realizar una pieza audiovisual es la realización de un guión literario, que no es más que la narración ordenada de la historia que se pretende mostrar en la película.

En ella deben incluirse aspectos como la acción que va a desarrollarse, los diálogos, descripción de los personajes, detalles ambientales, históricos, culturales, sociales... todo ello sin entrar en detalles técnicos.

Se trata, en definitiva, de un buen relato de lo que va a suceder en la película.

Deberemos tener en cuenta y dejar bien claro en nuestro guión Qué se quiere contar, Quiénes son los personajes que intervienen, Qué género quiero utilizar, Cuándo o en que época se desarrolla la historia.

En la producción de una película el guión literario lo realiza el guionista ayudado en ocasiones por el realizador y sus fuentes de inspiración puden nacer en cualquier parte. Noticias, internet, diarios de prensa, revistas, un hecho histórico, una biografía de alguien famoso, novelas y cuentos, teatro, remakes o nuevas versiones de obras famosas... cualquier tema es bueno para empezar un buen guón.

ESTRUCTURA DEL GUIÓN LITERARIO

En el mundo occidental se observa una constante en cuanto a la estructura de un relato. Éste queda dividido en 3 partes bien diferenciadas:

Planteamiento: El planteamiento debe situar al espectador y hacerle entender de qué trata la historia, quién la protagoniza y en qué tiempo y lugar se desarrollan los hechos.

 

Cineastas como Howarks o Billy Wilder (guionista que luego hizo el guión de sus propias películas) comparaban el film a una montaña rusa: inicio dinámico y emocionante, intercalando a lo largo del relato descansos y ascensos en el climax hasta su resolución.

El planteamiento concluye con un giro en la historia que le da una nueva perspectiva (primer nudo de la trama) y obliga al protagonista a seguir adelante.

Nudo: se trata del desarrollo de la acción o conjunto de hechos que suceden. 

En el nudo hay un hecho que rompe el equilibrio inicial de los personajes y que desencadena un conflicto. A lo largo de esta parte los personajes llevan a cabo una serie de acciones encaminadas a resolver el conflicto.

Desenlace: Constituye el final de la historia narrada. Puede ser cerrado, si se resuelven todos los conflictos planteados, o abierto, si se dejan a la imaginación del receptor.

No es necesario que este orden sea lineal, el relato puede empezar por el desenlace para ir reconstruyendo la historia aunque el espectador, una vez termine de ver la pieza, debe ser capaz de reconstruir las tres partes del relato en su orden lógico y temporal si pretendemos que comprenda la historia que queremos contar.

LOS PERSONAJES

Todos los relatos versan sobre la historia de alguien o de algo (persona, animal o cosa) : la narración es una sucesión de acciones y toda acción exige la existencia de alguien que sea sujeto de la acción. Toda acción tiene uno o varios protagonistas. 

En una historia de ficción aparecen, generalmente tres tipos de personajes:

Los protagonistas y antagonistas. Sobre ellos recae la acción principal. Han de estar perfectamente definidos. 

Los principales. Tienen un papel importante en la obra pero no esencial para el desarrollo de la misma.

Los secundarios. Tienen cierta relevancia y existen por necesidades de la acción. No es preciso que estén muy definidos y no han de distraer la atención del espectador.

Un buen diseño de personajes es fundamental a la hora de filmar una buena historia y merece la pena realizar un esfuerzo y dedicarle el tiempo que sea necesario a su desarrollo ya que serán ellos los que lograrán que nuestra historia resulte.

Ejemplo de guión literario

Animate Surfers para Centros Educativos

Esta iniciativa trata de introducir a los alumnos de 1º, 3º y 4º de E.S.O. en la experiencia de la animación Stop Motion, dotándoles de unos conocimientos y unas herramientas útiles que, al margen de su connotación artística, son perfectamente aplicables al resto de asignaturas del currículo de la E.S.O.

 

Todos nosotros, los profesores y los padres de nuestros alumnos, hemos crecido viendo dibujos animados en la televisión y nuestro contacto con la animación ha sido siempre desde el punto de vista del entretenimiento. Nos sentábamos frente al televisor cada tarde a disfrutar aquella magia sin reparar siquiera en cómo conseguian hacer mover cosas que en realidad no existían. 

Ahora hay estudios que demuestran que esta tecnología tiene un enorme potencial educativo y que su aplicación en las aulas puede ser tremendamente beneficioso para nuestros alumnos.

El "Educational Review Psychology" en su estudio “Animation as an Aid to Multimedia Learning” habla de cómo puede resultar tremendamente efectiva la animación en estudiantes universitarios en aspectos como la memoria, la atención así como el almacenar y recuperar información adquirida.

  

De igual manera, el estudio revela datos acerca de como la animación aplicada al arte, las ciencias, las matemáticas... puede lograr un mejor resultado en la comprensión de estas materias por parte de los alumnos.

En este módulo o unidad didáctica,los alumnos aprenderán cómo se realiza una animación desde el inició hasta el final del proceso.

Cada uno parte de una idea, realiza el guión, dibuja el storyboard, conoce y proyecta aspectos relacionados con la iluminación, el sonido, el montaje, la edición de vídeo y la posproducción. 

 ¿Qué entendemos por Animación Stop Motion?

El stop motion es una técnica de animación que consiste en aparentar el movimiento de objetos estáticos por medio de una serie de imágenes fijas sucesivas.

Estos objetos pueden ser infinidad de elementos como piezas de Lego, plastelina, objetos cotidianos, dibujos a mano, cartulinas o recortes de papel...

Lo que en un principio puede parecer muy complicado en realidad es bien sencillo aunque requiere de cierto material básico como: un ordenador, un software de edición de vídeo y una cámara digital con trípode (en este proyecto hemos sustituido la cámara digital por smartphones o tablets de los propios alumnos).

¿Qué materias podemos enseñar a través de este tipo de animación?

Para la sorpresa de muchos, los proyectos educativos con esta técnica de animación van más allá de las asignaturas de plástica y arte. Como docentes podemos crear o buscar animaciones ya creadas, para mostrar a los alumnos un concepto complicado de cualquier asignatura. Como alternativa podemos hacer que sean los alumnos los que creen una animación para documentar un tema. Ejemplos de actividades realizados por docentes:

• Lengua: Escribir un poema y crear una animación en plastilina que lo interpreta. Ilustrar letras, palabras de vocabulario, refranes o modismos.

 Animación de letras con Lego

• Historia: Representar un evento histórico

• Ciencias: Animación de una enzima (biología)

                           Animación del ciclo de Oruga a Maripos, Ciclo del Agua...

• Matemáticas: Explicar el concepto de una fracción. Demostrar cómo trazar las coordenadas. Representar cómo se resuelven las ecuaciones, etc.

• Arte: Explicar cómo se combinan los colores. Modelar paisajes. Observar cómo evoluciona una obra de arte (pintura, escultura,…) desde su inicio hasta su acabado, etc.

¿Qué habilidades desarrollarán los alumnos con la creación de una animación?

El Stop Motion fomenta el trabajo en equipo. Presenta retos donde se aprenden estrategias para resolver problemas y se desarrollan habilidades interpersonales como la comunicación, el liderazgo y la capacidad de decisión.

Los alumnos normalmente se dividen las siguientes tareas según sus intereses personales:

• Elaboración del guión gráfico: Se genera la secuencia en dibujos, con direcciones y diálogos, que representan las tomas planificadas para la animación. Los estudiantes desarrollan la escritura creativa en grupo y deben organizar sus ideas de forma cronológica.

• Preparación del escenario: La parte más artística en donde se pueden utilizar materiales como el cartón, papel y pinturas para personalizar nuestra historia.

• Construcción de los personajes: Se puede derrochar gran dosis de imaginación creando personajes a partir de plastilina o lego, o creando una historia a partir de un simple calcetín e incluso usar simplemente nuestro cuerpo o nuestros dibujos.

• Filmación con una webcam: La parte más técnica del proyecto que desarrolla habilidades multimedia y técnicas de producción. Al final el video es normalmente editado para añadir una narrativa o efectos sonoros si se desea. 

¿Qué aplicaciones de software podemos utilizar?

Existen una gran variedad de aplicaciones de software que nos permiten crear animaciones stop motion fácilmente. Si disponemos de un tablet o smartphone, el proceso de creación es todavía más simple.

Vine

(Smartphone/Tablet)

StopMotion  (Pc)

http://stopmotion.bjoernen.com/

MovieMaker (Pc)

http://windows.microsoft.com/es-es/windows/movie-maker 


Unidad Didáctica Introducción a la Animación:

Descripción:

Esta iniciativa trata de introducir a los alumnos de 1º, 3º y 4º de E.S.O. en la experiencia de la animación Stop Motion, dotándoles de unos conocimientos y unas herramientas útiles que, al margen de su connotación artística, son perfectamente aplicables al resto de asignaturas del currículo de la E.S.O.

Objetivos Didácticos:

Dotar al alumnado de las herramientas y conocimientos básicos sobre esta tecnología y su posible aplicación a diferentes ámbitos de su aprendizaje.

Poner al alcance de profesores, centros educativos, colegios, centros culturales... unas técnicas sencillas con las que motivar e incentivar el interés del alumnado por las diferentes asignaturas a través de un lenguaje interesante y atractivo.

Lograr resultados artísticos y que los alumnos sepan valorar su esfuerzo y su creatividad "exponiendo" sus creaciones en un blog de su propia creación.

Que los alumnos tomen consciencia de la importancia del esfuerzo y de los beneficios del trabajo en equipo.


Contenidos de Aprendizaje:

Conceptos:

• Introducción a la animación
• Introducción a la realización de guiones, storyboard y guión gráfico
• Creación de escenarios
• Introducción a la iluminación
• Construcción de personajes
• Filmación en stop motion
• Montaje, edición de vídeo, edición de sonido y posproducción

Procedimientos:

• Breve historia de la animación en stop motion (presentación audiovisual)   
• Aprender a realizar un Guión
• Aprender a crear un StoryBoard
• Proyectar y Crear un escenario para rodaje
• Conceptos básicos de iluminación y experimentación lumínica
• Diseñar y construir personajes con diferentes materiales (cartón, papel, plastelina...)
• Aprender a controlar una cámara/smartPhone/tablet para filmar en stop motion
• Controlar el set de rodaje en stop motion
• Aprender el manejo de programas de edición de vídeo/sonido para el montaje y la edición de las animaciones creadas.
• Aprender a posproducir las animaciones y añadirles efectos, títulos de crédito...

Actitudes:

• Adquirir y reforzar valores relativos a la igualdad de género, racial... 
• Fomentar el trabajo en equipo poniendo especial énfasis en conceptos como el respeto a los demás, la solidaridad, la tolerancia.  
• Adquirir capacidad de autocrítica
• Reforzar la autoestima del alumno y potenciar su sensibilidad artística. 
• Dotar al alumno de herramientas que aplicar en otros ámbitos/asignaturas
• Despertar la curiosidad del alumno y su interés/motivación por aprender.
• Fomentar el uso de la tecnología en el aula e introducir el concepto de código abierto y la filosofía del software libre 

Secuencia de Actividades:

Actividad 1: Redacción/resumen de la presentación audiovisual mostrada en clase.

Actividad 2: Realización de animaciones con Vine (smartphone)

                 a) Letras que se mueven

                 b) Objetos y Dibujo

                 c) Piezas de Lego

                 d) Personajes articulados

                 c) Body Motion

                 d) Cut Out

                 e) Plastelina

Actividad 3: Realizar un guión (Cuaderno)

Actividad 4: Realizar un storyboard (Lámina)

Actividad 5: Dibujar/diseñar un escenario para rodaje (Lámina)

Actividad 6: Construir un escenario de rodaje (Físico)

Actividad 7: Diseño de un personaje (Lámina)

Actividad 8: Construcción de un personaje (Físico)                 

Actividad 9: Rodaje con cámara/smartphone/tablet

                  a) Experimentación con la luz (4 imágenes) (Lámina)

                  b) Rodaje con Vine y con cámara de fotos (smartphone)

Actividad 10: Edición de vídeo y sonido con MovieMaker (o cualquier otro editor gratuito).   

Actividad 11: Documentar todo en un blog gratuito. 

Recursos Materiales:

• Un ordenador/smartPhone/Tablet por alumno (pueden compartir entre varios) con los programas necesarios para realizar las animaciones. (Vine, Moviemaker, Stop Motion)
• Una cámara de fotos
• Un trípode 
• Uno o dos focos de luz
• Láminas
• Lápices, goma, rotuladores, 
• Tijeras, 
• Cola Blanca
• Cartulinas de colores
• Alambre fino
• Alicates (uno por alumno)
• Conexión Wifi a internet 

   
Secuenciación en el tiempo

• Visionado de presentación audiovisual y redacción de un resumen de su contenido (Actividad 1) (2 sesiones) Primeras animaciones con Vine (Actividad 2) (4 sesiones) 

   a) Letras que se mueven
   b) Objetos y Dibujo
   c) Piezas de Lego
   d) Personajes articulados 
   c) Body Motion
   d) Cut Out
   e) Plastelina 

• Guión y Story Board (Actividades 3 y 4) (2 sesiones)
• Diseño Escenario de Rodaje (Actividad 5) (1 sesión)
• Creación del Escenario (Actividad 6) (2 sesiones) 
• Diseño y Creación de un personaje (Actividades 6 y 7) (2 sesiones) 
• Pruebas de iluminación (Actividad 9) (1 sesión)
• Montaje y edición de la animación (Actividad 10) (2 sesiones)  
• Documentación de todo el proceso en un blog de trabajo (Actividad 11) (en casa) 

Evaluación:

Media aritmética entre todas las actividades.
Si da tiempo, se hará una animación final que valdrá un 50 % de la nota. 
Cuestionario del profesor (donde se evalúa la calidad docente)
Cuestionario de la U.D.


Experimentando con los alumnos:


Eduardo Barriga (4º ESO) 

Francisco Campos (4º ESO) 

Anna Teresa  (4º ESO)

Raúl Bermúdez (4º ESO)

Giovanni Levy (4º ESO)

Filippos Levy (4º ESO)

Adonnys Palma (4º ESO)

Miguel Ángel Sánchez (4º ESO)