Con motivo de la celebración de la jornada de Portes Obertes 2016 del colegio Sant Vicenç de Paül (La Soledat), los alumnos de 3º y 4º de E.S.O. han comisariado una exposición en la que han mostrado una selección de sus propios trabajos.
Ellos se han encargado de escoger la obra y han diseñado el mejor modo de mostrarla al público, convirtiendo el aula de tecnología en una auténtica galería de arte.
Estos trabajos han podido ser vistos por un gran número de familias, que se han acercado a conocer nuestro centro, y ellos mismos han ejercido de galeristas de arte explicando los detalles técnicos y las particularidades de cada obra.
Por otra parte, en la Biblioteca, y tras disfrutar de un pequeño aperitivo, ha sido proyectado el corto "Animate Surfers".
Un cortometraje de animación creado enteramente por los alumnos utilizando diferentes téncicas de animación 2D (Stop Motion).
Han sido sin duda unos meses de mucho trabajo y dedicación en la que los alumnos han puesto lo mejor de sí mismos y han regalado mucho de su tiempo libre con el único objetivo de aprender los secretos de la animación.
Su genio creativoasí como su enorme esfuerzo queda patente una vez ves el vídeo.
Se trata de una misteriosa pieza audiovisual enla quequedan representados sus sentimientos, sus sueños, su creatividad, sus dudas, sus miedos... su arte en definitiva y espero que la disfrutéis tanto como nosotros.
Este post pretende explicar las diferencias entre los conceptos Plano, Secuencia, Escena y Toma.
Expresiones que aparecen contínuamente en el lenguaje audiovisual y que muchas veces nos llevan a confusión en cuanto a su interpretación.
Lo primero que debemos tener en cuenta es que los cuatro se refieren a diferentes fracciones de tiempo.
De esta manera, será la unión de los cuatro la que dará lugar al producto final que definimos como largometraje, ya que una escena no podría existir si ésta no estuviese compuesta por diferentes planos (con la excepción del fijo o secuencia). Veamos entonces qué tipo de significado posee cada uno.
Plano
El plano es el fragmento más pequeño del lenguaje audiovisual.
Se trata de la acción grabada desde un punto de vista concreto y con un encuadre específico.
La sucesión de éstos y la forma de mostrarse será algo que influirá directamente en el ritmo de la película.
Por ello, en momentos dramáticos y de reflexión se suelen usar primeros planos de gran duración.
Mientras que en puntos de acción es habitual ver una sucesión muy acelerada de éstos, lo cual es empleado para transmitir todo el frenesí que acompaña a ese instante.
Por otro lado también existe el plano secuencia, algo que hemos podido ver en numerosos productos audiovisuales, como True Detective (episodio cuarto de la primera temporada) o Birdman. Aquí la escena no está contada uniendo pequeños fragmentos de planos, sino que el director decide por acompañar al personaje durante toda la acción sin (aparentemente) parar de grabar.
Escena
Es una unidad de acción, delimitada por el espacio y el tiempo.
Así, cuando cambien de lugar o se produzca una alteración en el tiempo (un flashback o flashforward), el lenguaje audiovisual nos estará indicando un diferente punto narrativo y, por tanto, el cambio de escena.
Secuencia
Si lo aplicamos a la literatura sería equiparable al capítulo de un libro.
Es la división de una historia que posee un sentido completo. Es decir, que una misma idea está vinculada o conectada por diferentes escenas. Al contrario que ocurre con la escena, la secuencia sí que suele tener sentido como unidad independiente y está dotada de un principio con un final.
P.e.La secuencia de Forrest Gump en el banco.
Toma
Es el momento desde que empiezan a grabar hasta que se termina.
Esta empieza desde que el director indica “acción” hasta que finaliza.
Por ello, es habitual dividir en tomas los diferentes intentos para conseguir una escena. Más tarde, todas esas tomas serán valoradas por el director para determinar cuál de ellas es la más adecuada para el montaje final.
El número de tomas para conseguir una buena escena dependerá de muchos factores, ya sea la habilidad de los actores, la dificultad de lo representado o incluso el nivel de exigencia que establezca el propio director.
Sin duda, otro de los conceptos importantes que debemos tener en cuenta a la hora de realizar nuestras animaciones es el tipo de plano con el que queremos transmitir la historia ya que de ellos dependerá en gran medida la carga emocional de nuestra pieza audiovisual y repercutirá en su calidad final.
A continuación he incluido una lista con los diferentes tipos de planos con los que suelen trabajar la mayoría de directores de cine.
Deberemos conocer alguno de ellos, observar sus características y aplicarlos en función de lo que queramos conseguir en nuestra película.
Plano general (Long shot)
Introduce al espectador en la situación, le ofrece una
vista general y le informa acerca del lugar y de las condiciones en que se
desarrolla la acción.
Suele colocarse al comienzo de una secuencia
narrativa.
En un plano general se suelen incluir muchos elementos, por lo
que su duración en pantalla deberá ser mayor que la de un primer plano para
que el espectador pueda orientarse y hacerse cargo de la situación. Puede
realizarse de varios modos, según su grado de generalidad.
Plano panorámico general:
Es una filmación que abarca muchos elementos muy lejanos. En él los
personajes tendrán menos importancia que el paisaje. Por ejemplo, una cabaña
en el bosque vista de lejos. Las personas se verán pequeñas.
Gran plano general:
Es una panorámica general con mayor acercamiento de objetos o personas.
(Alrededor de 30 metros).
Plano general corto:
Abarca la figura humana entera con espacio por arriba y por abajo.
Plano americano:
Toma a las personas de la rodilla hacia arriba. Su línea inferior se
encuentra por debajo de las rodillas.
Plano en profundidad: Cuando el director coloca a los actores entre sí sobre el eje óptico de la
cámara dejando a unos en primer plano y a otros en plano general o plano
americano. No se habla de dos planos, primer plano o segundo plano, como
haríamos en lenguaje coloquial, pues hemos definido plano, por razones
prácticas, como sinónimo de encuadre.
Plano medio (Medium shot)
Limita ópticamente la acción mediante un encuadre más
reducido y dirige la atención del espectador hacia el objeto.
Los elementos
se diferencian mejor y los grupos de personas se hacen reconocibles y pueden
llegar a llenar la pantalla.
Plano medio largo:encuadre que abarca a la figura humana hasta debajo de la cintura.
Plano medio corto (Medium
close shot):encuadre de una figura humana cuya línea inferior se encuentra a la altura
de las axilas.
Es mucho más subjetivo y directo que los anteriores. Los
personajes pueden llegar a ocupar la pantalla con un tercio de su cuerpo, y
permite una identificación emocional del espectador con los actores. Mediante este encuadre es posible deslizar también muchos otros elementos
significativos.
Primer plano (Close up):encuadre de una figura humana por debajo de la clavícula. El rostro del
actor llena la pantalla.
Tiene la facultad de introducirnos en la psicología
del personaje. Con este encuadre se llega a uno de los extremos del lenguaje
visual: los objetos crecen hasta alcanzar proporciones desmesuradas y se
muestran los detalles (ojos, boca, etc.).
Semiprimer plano (Semi
close up shot):
Concentra la
atención del espectador en un elemento muy concreto, de forma que sea
imposible que lo pase por alto. Si se refiere al cuerpo humano, este tipo de
encuadre nos mostrará una cabeza llenando completamente el formato de la
imagen. Desde el punto de vista narrativo nos puede transmitir información
sobre los sentimientos, analiza psicológicamente las situaciones y describe
con detenimiento a los personajes.
Gran primer plano:cuando la cabeza llena el encuadre.
Plano corto:encuadre de una persona desde encima de las cejas hasta la mitad
de la barbilla.
Plano detalle:Primerísimos planos de objetos o sujetos, flores, una nariz, un
ojo, un anillo, etc.
El Storyboard es un conjunto imágenes mostradas una detrás de otra con
el fin de planificar aspectos técnicos de una animación o cualquier otro medio gráfico o
interactivo. Basicamente el stoyboard es un guion gráfico, que nos permite la previsualización de nuestra animación antes de que este terminada.
En éste se plantean las ideas principales de nuestro guion técnico y literario, y se planifican los detalles de cada escena. La forma de eleborar un storyboard varía en función del uso que tengamos que darle y del medio que estemos utilizando (poster, web, cartel, animación...).
Los storyboards, aunque son una herramienta técnica, constituyen en sí piezas artísticas habiendo incluso coleccionistas de este tipo de arte que pagan auténticas fortunas por los dibujos originales.
¿Como se debe hacer un Storyboard?
Una vez escrito el guión literario,
deberás pensar en las imágenes que deseas tomar para mostrar y explicar lo que
la voz está narrando.
Realiza un sketch (dibujo) de cada una de las escenas de tu pieza audiovisual que mantenga una coherencia con tu guión literario.
La historia debe ser entendible con un simple vistazo al storyboard y aunque no es necesario que seas un gran dibujante debes hacer un esfuerzo en este apartado y conseguir que explique tu historia.
Combina planos generales con planos-detalle a medida que esos detalles son mencionados en la película.
Realiza cambios de plano coherentes que ayuden a la comprensión de tu guión y consigan los efectos emocionales que requieras pero no cometas errores de racord.
Utiliza sabiamente los silencios de voz dejando respirar a las imágenes. Existen varias formas de construir los storyboards pero, usualmente,
incluyen los planos, personajes en el rodaje, la duración del rodaje y
breve recuento de lo que está sucediendo en la toma. También se le
pueden agregar otras anotaciones como, por ejemplo, si la toma será
utilizada en otra parte de la película (por ejemplo, para un flashback).
En el storyboard, las tomas se presentan como historietas y en cada cuadro, se tienen que ver los movimientos que suceden en la toma. Debemos detallar las líneas principales de la película,
tomar las decisiones donde quedaron dudas y calcular la duración de cada
escena.
Los personajes son, sin duda, la base de una buena historia.
Son la cara y los ojos de nuestra creación y sin ellos la narración no tiene sentido ni coherencia.
A la hora de imaginarnos un personaje para nuestra historia, a menudo nos viene a la cabeza la imagen humanoide de algún tipo de ser con ojos, boca, brazos, piernas... parecido de alguna manera a nosotros, al ser humano.
Pero un personaje puede ser cualquier cosa que conduzca nuestra historia., un trozo de papel, una pinza, un recorte de revista, un paisaje (time lapse)...
Es decir, debemos ser capaces de ampiar nuestra concepción del concepto "personaje" y dotarle de la dimensión adecuada. Un simple trozo de hierro oxidado encontrado en un parque puede ser un gran protagonista para nuestra obra si le damos el tratamiento adecuado.
No podemos olvidar que un personaje mal diseñado puede llevar a la ruina cualquier trama por buena que sea.
No existe un método infalible que nos asegure la creación de un gran personaje ni directrices claras que guíen este proceso de manera estricta pero si podemos tener en cuenta algunos trucos o consejos a la hora de su creación.
Apariencia:
La apariencia de tu personaje es uno de los aspectos más importantes y condiciona de alguna manera el resto de la historia.
Me estoy refieriendo a su aspecto físico, tu personaje es alto o bajo? cojea? le falta un ojo?, es rubio?, arrastra los pies al caminar?...
Esta será la primera impresión que recibirá el espectador y debe estar muy bien planificada.
La apariencia viene dictaminada por una serie de factores como podrían ser los siguientes:
Raza, Especie, Nacionalidad, Altura, Peso, Color de piel, Ojos, Cabello...
Momento histórico, Ropa, Clase social, Moda, Cultura del personaje...
Peculiaridades al andar, al hablar... Manías, Fobias, Objetivos (qué objetivos tiene en nuestra historia)
Características.
En este aportado vamos a contemplar aspectos sobre cómo actúa el personaje instintivamente.
Esto normalmente se basa
en adjetivos como: egoísta, considerado, amigable, indeciso, pacifista...
Como
ejemplo, pongamos una escena en la que la/el novia/o de tu personaje va a
morir, pero si lo(a) salva, la ciudad será destruida. Solo tiene un par de
segundos para reaccionar:
Personaje egoísta: —Salvaré a mi novio/a. — Salva a su novia y la ciudad es destruida.
Personaje indeciso: —No sé qué hacer. — Su indecisión hace que muera su novia/o y la ciudad sea destruida.
Personaje altruista: —Lo siento, pero es por el bien de
la mayoría. — Deja morir a su novia y salva la ciudad y a todos sus habitantes.
Por tanto deberemos definir a nuestro personaje en este aspecto y dotarle de unas características que lo vayan modelando.
Nombre.
El nombre
es también algo esencial, pues es como el personaje será representado durante
toda la historia.
Nombres
inspirados en la naturaleza (Flor, Violeta, Sakura, etc.) hacen a un
personaje sonar agradable o simpático, mientras que nombres violentos que incluyen
sonidos fuertes como las consonantes K, y G (Kali, Kern, Ken, Corin, Gregory),
pueden ayudar a que un personaje parezca desagradable, peligroso, violento...
Nombres largos, o de pronunciación
complicada dan a entender intelectualidad y presunción. Y nombres cortos de una
sílaba, como «James Bond», indican fuerza y virilidad.
Metas.
Todos los personajes
necesitan un motivo o una meta, ya sea pertenecer una organización internacional de superhéroes o el club de las amigas de Wisconsin, cualquier personaje tiene unas motivaciones que hacen que actúe de determinada manera ante diferentes situaciones.
Todos tenemos un objetivo (o varios) y nuestras acciones están encaminadas a lograr esos objetivos.
En Naruto,
por ejemplo, el protagonista tiene en un principio como objetivo convertirse en
Hokage, y su razón para ello es
querer ser respetado.
Muchas veces, esos
objetivos cambian, aparecen nuevos o son dejados de lado para enfocarse en otras más importantes. Naruto dedica buena parte de su historia a la búsqueda de Sasuke en lo que es un objetivo sobrevenido.
Por último ten en cuenta que el objetivo o la meta de un villano nunca es "ser malvado" sino que ese comportamiento es tan solo el camino que ha elegido para lograr su objetivo.
Biografía.
Explica algo del pasado de tu personaje. Tu personaje no
salió de la nada (o sí), tiene un pasado desde el momento en que nació hasta el momento en el que tu
historia transcurre (a no ser que nazca durante el transcurso de la historia).
En cualquier caso, tu
personaje necesita una biografía que defina quién es.
Debes identificar eventos importantes
en su vida y explicar brevemente cómo le afectaron.
Muchas veces el comportamiento y las motivaciones de nuestros personajes encuentran su explicación en hechos ocurridos antes de nuestra historia y pueden ser de utilidad en la narración de nuevos sucesos.
Durante La Guerra de las Galaxias, se nos van dando detalles sobre la juventud de Luke Skywalker para que podamos comprender las motivaciones y objetivos que le mueven durantesus aventuras.
Dedícale unas cuantas líneas a este apartado y verás que tus personajes adquieren otra dimensión.
Posesiones.
Tu personaje es rico? o malvive en los suburbios del Bronx? Deberías mencionar algo sobre la salud financiera de tu personaje ya que es otro de los aspectos que puede que defina alguno de sus objetivos o motivaciones durante el transcurso de la historia.
Bruce Wayne,un empresario multimillonario y filántropo de Gotham City, después de ser testigo del asesinato de sus padres cuando era niño,
jura vengarse y combatir la delincuencia.
Adopta el diseño de un murciélago para su vestimenta, sus utensilios de combate y sus vehículos. A diferencia de los superhéroes, no tiene superpoderes:
recurre a su intelecto, así como a aplicaciones científicas y
tecnológicas para crear armas y herramientas con las cuales lleva a cabo
sus actividades.
Vive en la mansión Wayne, en cuyos subterráneos se
encuentra la Batcueva, el centro de operaciones de Batman al cuidado de su fiel myordomo Alfred Pennyworth.
Virtudes
y defectos. Un
equilibrado balance entre ambos es lo que define un buen personaje y lo hace creible. Un héroe,
aunque sea el elegido, el legendario, o el máximo, debe de tener defectos y
debilidades. Así como un villano debe de tener un «lado bueno». No, no
puede haber un héroe perfecto máximo que nunca se equivoca, ni un villano tan
poderoso que controla la antimateria y no hay forma de vencerle. Ejemplo: Darth Vader tiene un pasado bueno que hace al personaje mucho más interesante y profundo. Su constante lucha interna entre el bien y el mal es lo que convierte a este personaje en una pieza clave de la historia.
Es en este último punto en
el que se define si tu personaje es un Mary
Sue, (un término usado para describir personajes perfectos, sin fallos,
ridículamente más fuertes que todos, que sirven como una versión idealizada del
autor), o un anti-sue (completamente
lo opuesto).
El balance es lo más importante, no importa lo que hagas con el
resto de tu personaje si no hay un balance entre sus habilidades y debilidades,
y virtudes y defectos.
Héroes
y villanos.
Finalmente una consideración muy importante sobre la creación de personajes tiene que ver con el cliché héroe o villano.
Los dos son diferentes, y debes de
tener en cuenta ciertas cosas a la hora de tomar partido por uno de ellos.
Si trabajamos un héroe, debemos distinguir entre un héroe y un antihéroe.
El primero es
altruista, y ayuda a los demás, pero siempre cumple las reglas. El antihéroe es
un héroe que no siempre sigue las normas morales correctas, puede ser muy
egoísta, pero sigue siendo bueno.
Lo principal con ambos es recordar que los
héroes no nacen fuertes y con experiencia, todos empiezan de algún punto.
No existe nadie que sea completamente bueno e incluso los más grandes héroes tienen sus defectos y debilidades.
Por otra parte, los
villanos también presentan la misma división en villanos y antivillanos.
El villano
es malvado. Pero el antivillano puede solo querer ser malvado aunque no lo sea,
o ser alguien bueno que le gusta su reputación de villano y la mantiene, pero
al final, en el momento de hacer algo realmente malvado no lo hace. Por ejemplo, el
protagonista del videojuego Grand Theft
Auto: San Andreas, o Darth Vader.
No olvides que un villano interesante y bien diseñado, siempre, debe superar
al héroe en alguna faceta. Puede que sea más fuerte, más listo o que
simplemente tenga más experiencia. Aunque pierda el combate final.
Recuerda que un
villano nunca puede ser completamente malvado, siempre tiene motivaciones y, generalmente, cree que lo que hacen es correcto
de algún modo.
EJERCICIO:
El
siguiente ejercicio consistirá en crear un personaje que deberá encajar en el guión literario que hemos escrito y deberá seguir las pautas vistas en el post anterior.
Para ello crearemos una ficha de personaje en una lámina Din-4 dispuesta verticalmente que seguirá el siguiente esquema:
Parte del proyecto Animate Surfers consiste en la introducción progresiva de la animación en las aulas y fomentar el uso responsable de las nuevas tecnologías.
La animación es una tecnología poderosa y su aplicación en las aulas permite tratar los contenidos de forma amena y divertida. En la actualidad existen ya numerosos estudios que apoyan sus beneficios.
Lograr una mayor colaboración y sinérgias entre los diferentes departamentos así como una mayor implicación y motivación del alumnado es otro de los pilares del proyecto.
En esta ocasión hemos querido aplicar los conocimientos sobre animación adquiridos en la asignatura de Plástica a un ámbito no artístico y los resultados han sido tremendamente satisfactorios.
Los alumnos de 4º de ESO, han realizado una animación sobre el ADN durante sus clases de Biología, demostrando que esta metodología es perfectamente aplicable al resto de asignaturas del currículum de ESO.
Este contenido será conservado en un Archivo de Contenidos Multimédia en la biblioteca del centro que estará a disposición del profesorado y que irá creciendo cada año mediante las aportaciones de las diferentes asignaturas.
Quiero agradecer muy especialmente al Departamento de
Ciencias y en concreto de la profesora de biología Maite Camarena por su colaboración y entusiasmo a la hora de realizar esta pieza.
Cualquier historia, por pequeña que sea, está formada por una serie de elementos interelacionados entre sí que, al ser ordenados de determinada manera, hacen que aquello que queremos contar tenga sentido y presente coherencia.
El primer paso a la hora de realizar una pieza audiovisual es la realización de un guión literario, que no es más que la narración ordenada de la historia que se pretende mostrar en la película.
En ella deben incluirse aspectos como la acción que va a desarrollarse, los diálogos, descripción de los personajes, detalles ambientales, históricos, culturales, sociales... todo ello sin entrar en detalles técnicos.
Se trata, en definitiva, de un buen relato de lo que va a suceder en la película.
Deberemos tener en cuenta y dejar bien claro en nuestro guión Qué se quiere contar, Quiénes son los personajes que intervienen, Qué género quiero utilizar, Cuándo o en que época se desarrolla la historia.
En la producción de una película el guión literario lo realiza el guionista ayudado en ocasiones por el realizador y sus fuentes de inspiración puden nacer en cualquier parte. Noticias, internet, diarios de prensa, revistas, un hecho histórico, una biografía de alguien famoso, novelas y cuentos, teatro, remakes o nuevas versiones de obras famosas... cualquier tema es bueno para empezar un buen guón.
ESTRUCTURA DEL GUIÓN LITERARIO
En el mundo occidental se observa una constante en cuanto a la estructura de un relato. Éste queda dividido en 3 partes bien diferenciadas:
Planteamiento: El planteamientodebe situar al espectador y hacerle entender de quétrata la historia, quién la protagoniza y en qué tiempo y lugar se desarrollan los hechos.
Cineastas
como Howarks o Billy Wilder (guionista que luego hizo el guión de sus
propias películas) comparaban el film a una montaña rusa: inicio
dinámico y emocionante, intercalando a lo largo del relato descansos y
ascensos en el climax hasta su resolución.
El planteamiento
concluye con un giro en la historia que le da una nueva perspectiva
(primer nudo de la trama) y obliga al protagonista a seguir adelante.
Nudo: se trata del desarrollo de la acción o conjunto de hechos que suceden.
En el nudo hay un hecho que rompe el equilibrio inicial de los personajes y que desencadena un conflicto. A lo largo de esta parte los personajes llevan a cabo una serie de acciones encaminadas a resolver el conflicto.
Desenlace: Constituye el final de la historia
narrada. Puede ser cerrado, si se resuelven todos los conflictos
planteados, o abierto, si se dejan a la imaginación del receptor.
No es necesario que este orden sea lineal, el relato puede empezar por el desenlace para ir reconstruyendo la historia aunque el espectador, una vez termine de ver la pieza, debe ser capaz de reconstruir las tres partes del relato en su orden lógico y temporal si pretendemos que comprenda la historia que queremos contar.
LOS PERSONAJES
Todos los relatos versan sobre la
historia de alguien o de algo (persona, animal o cosa) : la narración es
una sucesión de acciones y toda acción exige la existencia de alguien
que sea sujeto de la acción. Toda acción tiene uno o varios
protagonistas.
En una historia de ficción aparecen, generalmente tres tipos de personajes:
Los protagonistas y antagonistas.
Sobre ellos recae la acción principal. Han de estar perfectamente
definidos.
Los principales. Tienen un papel importante en la obra pero no esencial para el desarrollo de la misma.
Los secundarios.
Tienen cierta relevancia y existen por necesidades de la acción. No es
preciso que estén muy definidos y no han de distraer la atención del
espectador.
Un buen diseño de personajes es fundamental a la hora de filmar una buena historia y merece la pena realizar un esfuerzo y dedicarle el tiempo que sea necesario a su desarrollo ya que serán ellos los que lograrán que nuestra historia resulte.
Durante la historia han sido muchos los artistas que han optado por los dibujos animados a la hora de realizar sus videoclips. Se trata, sin duda, de un excelente medio para transmitir una enorme cantidad de conceptos o sentimientos que no serían posibles mediante una grabación real.
Por otra parte ha contribuido a dotar de cierto aire "underground" y a diferenciarse del montón a muchas bandas que de otra manera hubieran pasado desapercibidas, en un mundo cada vez más globalizado y donde las buenas ideas escasean cada vez más y donde triunfa lo mediocre, lo inmediato, lo comercial... condenando a muchos excelentes artistas al anonimato.
A continuación quiero aportar una lista de los artistas que, en mi opinión, mejor han utilizado la animación para dar vida a sus canciones.
No pretende ser una lista completa ni categórica y con seguridad faltarán muchos artistas o grupos que ahora mismo no recuerdo o bien desconozco.
Acepto cualquier sugerencia para ampliar esta lista y hacerla lo más completa y objetiva posible :)
1- Metronomy: "Reservoir"
Metronomy es un grupo de música electrónica creado por Joseph Mount en Totnes, Devon, Inglaterra
en 1999.
Los miembros actuales de la banda son Joseph Mount
(compositor, cantante, teclados y guitarra), Oscar Cash (saxofón, coros y
teclados), Anna Prior (batería) y Gbenga Adelekan (bajo).
Su música
consiste en música electrónica instrumental y, después del lanzamiento
de Nights Out, también inlcuye música vocal. Mount también hace exitosos remixes en nombre de Metronomy a bandas como Roots Manuva, Franz Ferdinand, Klaxons, Goldfrapp, The Young Knives, Zero 7, Ladytron, Kate Nash y Lykke Li.
Metronomy ha sacado al mercado, hasta ahora, cuatro álbumes, "Pip
Paine ", "Nights Out", "The English Riviera" y
"Love Letters". También un EP como "You Could Easily Have Me" y singles:
"Radio Ladio" and "Heartbreaker". Su siguiente EP se llamará "Not Made
For Love" y su fecha de lanzamiento fue el 21 de septiembre de 2009.
Ya
han subido algunos remixes a su página de Facebook. "The English Riviera" fue lanzado en abril del 2011 y su más reciente album "Love Letters" fue lanzado en Marzo del 2014.
El video está dirigido por Daniel Bereton.
2- Pharrell Williams Remix: "Last Night, Good Night"
Pharrell Williams (Virginia, 5 de abril de 1973), es un cantante, productor y compositor de música estadounidense, también conocido como Skateboard P que forma parte del dúo The Neptunes con Chad Hugo, así como del grupo de rap/rock N.E.R.D
junto con Hugo y Shae Haley.
Como parte de The Neptunes, Pharrell ha
escrito y/o producido un gran número de canciones para artistas como: Michael Jackson, Madonna, Britney Spears, Kylie Minogue, Shakira, Mika, Snoop Dogg, Gwen Stefani, Nelly Furtado, Justin Timberlake, Backstreet Boys, Pitbull, Busta Rhymes, Mystikal, Jay-Z, The Hives, *NSYNC, Tito "El Bambino", Lindsay Lohan, Swedish House Mafia y Gloria Estefan, entre otros. Sabe tocar la batería, el piano y la guitarra.
En 2013 se destacó notablemente en dos de los grandes materiales de
aquel año, su trabajo como colaborador y productor en el cuarto trabajo
de Daft Punk, "Random Access Memories" realizando dos tracks "Get Lucky" y "Lose Yourself to Dance" en co-producción con Nile Rodgers, y en el éxito "Blurred Lines" del cantante de R&B Robin Thicke, lo que le valió el Grammy al Productor del año. Williams reúne una totalidad de siete premios Grammy, incluyendo dos formando parte de The Neptunes.
3- Aha: "Take on Me"(1986)
a-ha fue una banda de synth pop, pop rock y new wave formada en Oslo, Noruega, el 14 de septiembre de 1982.
Gracias a su éxito y popularidad, especialmente durante los años 1980, el trío se ha convertido en el grupo musical noruego más importante de la historia a escala mundial.
El grupo cosechó gran éxito en la década de 1980, principalmente por su canción «Take on Me», y continuó con un éxito más discreto durante los años 1990. Tras su quinto álbum de estudio, Memorial Beach, el trío interrumpió su actividad hasta el año 2000, cuando regresaron con Minor Earth | Major Sky.
Igualmente, pasaron por la década del 2000 con éxito discreto hasta 2009, cuando publicaron su último álbum de estudio, Foot of the Mountain,
el álbum con mayor éxito de la década y que suponía un regreso a las
raíces del grupo. Aprovechando las buenas críticas de su último trabajo,
a-ha decidió que 2010 era el momento ideal para terminar como banda.
Dieron su último concierto el 4 de diciembre en el Oslo Spektrum.
El 21 de agosto de 2011, a-ha se reunió para una única actuación en
la ceremonia conmemorativa de las víctimas de los atentados del 22 de
julio en Noruega.
Director: Steve Barron.
Productora: Limelight Productions, Londres.
Productor: Simon Fields.
Fotógrafo: Oliver Stapleton.
Animación: Michael Patterson y Candace Reckinger.
4- Tom Tom Club: "Genius of Love" (1981)
Tom Tom Club es una banda new wave de origen norteamericano creada por Tina Weymouth y Chris Frantz, bajista y percusionista de Talking Heads respectivamente. Es mejor conocida por su hit de 1981, "Genius of love", número 1 en el Hot Dance Club Songs.
Originalmente creado como proyecto paralelo de Talking Heads, Tom Tom
Club incluye una agregación libre de músicos, ingenieros de sonido y
artistas del Compass Point All Stars, incluyendo a las de hermanas de
Tina y el guitarrista Adrian Belew, quien estuvo de gira con Weymouth y
Frantz en la versión ampliada de los Talking Heads en 1980 y 1981.
5- Bjork: "I miss you" (1997)
Björk Guðmundsdóttir (Islandia, 1965), conocida simplemente como Björk, es una cantautora, multiinstrumentista, compositora y productora islandesa.
Pasó sus primeros años en Reikiavik, donde se convirtió en vocalista profesional a los once años al publicar su primer álbum, Björk. El álbum fue exitoso en Islandia, pero no fue publicado fuera del país.
Tras haber formado algunas bandas post-punk, Björk saltó a la fama como una de las cantantes principales del grupo de rock alternativo The Sugarcubes, manteniendo un seguimiento de culto en Estados Unidos y Reino Unido.
Tras la desintegración del grupo, Björk se mudó a Londres, donde comenzó una carrera en solitario. Debut, su segundo álbum lanzado en 1993, no sólo estableció su nueva dirección artística, se convirtió en un éxito internacional.
Siguió lanzando una serie de álbumes en los que adoptó diversos géneros músicales, desde el jazz hasta la electrónica y la música experimental, obteniendo aclamación por la crítica y trabajando con importantes diseñadores de moda, productores y fotógrafos.
Sus videos musicales, dirigidos por reconocidos directores como Michel Gondry, también han sido aclamados por la crítica. Sus mayores éxitos incluyen temas como "It's Oh So Quiet", "Human Behaviour", "Hyper-ballad", "Army of Me", "Violently Happy", "Big Time Sensuality", "Hidden Place" y "Bachelorette".
El video musical de la canción "I miss you" estuvo a cargo de Spümco, la empresa de animación creada por John Kricfalusi, el creador de los dibujos Ren & Stimpy. Éste fue el único trabajo de Spümco para una cantante por mucho tiempo.
Más tarde, en 2006 trabajó para Weird Al Yankovic y Tenacious D.
El videoclip es casi íntegro en dibujos animados ya que en algunas
ocasiones aparece Björk con el pelo rojo y algunas imágenes por
ordenador.
6- Pearl Jam: "Do the Evolution" (1998)
Pearl Jam es un grupo de rock alternativo formado en Seattle, Estados Unidos en el año 1990. El grupo estaba originalmente compuesto por Stone Gossard (guitarra rítmica), Jeff Ament (bajo), Mike McCready (guitarra principal), Eddie Vedder (voz) y Dave Krusen (batería).
El baterista en la formación actual es Matt Cameron, miembro asimismo de Soundgarden, que pertenece al grupo desde 1998.
Formada después de la desintegración de Mother Love Bone, grupo anterior de Gossard y Ament, Pearl Jam rompería el gran mercado con su álbum debut Ten. A pesar de ser considerados como uno de los grupos clave dentro de la escena grunge
al comienzo de los años noventa, Pearl Jam fue criticado en sus inicios
por una supuesta falta de "autenticidad" que habría hecho que se
aprovecharan comercialmente de la explosión del rock alternativo de Seattle.
Sin embargo, sus miembros siempre se han caracterizado por su rechazo a
determinadas prácticas comunes en la industria musical, como por
ejemplo la realización de vídeos promocionales; también es conocido su
boicot a la empresa Ticketmaster.
La revista Rolling Stone los describió en 2006 como un grupo que "se pasó la mayor parte de la década pasada destruyendo su propia fama".
Pearl Jam es considerado uno de los grupos más importantes de la década de 1990.
Hasta la fecha, el grupo ha vendido 30 millones de álbumes en los Estados Unidos, así como una cantidad aproximada de 65 millones de discos en todo el mundo.
Pearl Jam ha sobrevivido y superado en ventas a muchos de sus
contemporáneos de la escena del rock alternativo de los noventa, y está
considerada una de las bandas más influyentes de la década. El crítico
de música Stephen Thomas Erlewine, de la revista musical Allmusic,
califica a Pearl Jam como "la banda de rock nortemericana más popular de
los 90."
El video animado de la canción "Do the Evolution" fue dirigido por Kevin Altieri, conocido por su dirección en Batman: La serie animada, y Todd McFarlane, creador del comic Spawn y director del video de la canción "Freak on a Leash" de Korn.
El video además fue producido por Joe Pearson, presidente de la
compañía "Epoch Ink Animation" y Terri Fitzgerald. Fue escrito y
desarrollado por Joe Pearson y Kevin Altieri con cuadros de Todd
McFarlane y Eddie Vedder.
7- The White Stripes: "Fell in love with a girl" (1997)
The White Stripes fue una banda estadounidense de rock alternativo, también algunas veces considerada dentro del movimiento del garage rock.
Se formó en 1997 en Detroit, Míchigan por la pareja compuesta por John Anthony Gillis, más tarde como Jack White (voz , guitarra, bajo, piano) y Meg White (batería, voz).
Después de publicar sus primeras canciones y grabar dos álbumes de estudio, formaron parte del resurgimiento del garage rock
de los años 60, caracterizado por su baja fidelidad de sonido y sus
composiciones y arreglos simples inspirados principalmente por el punk rock, el blues rock, el folk rock y la música country. Su tercer y cuarto álbum White Blood Cells, Elephant de 2001 y 2003
respectivamente, los consagró en la escena musical internacional y
llamó la atención de una gran variedad de medios de comunicación en los Estados Unidos y en Reino Unido con el sencillo «Seven Nation Army» que icónicamente se ha convertido en su mayor éxito.
El 15 de junio de 2007 fue lanzado su más reciente álbum de estudio Icky Thump, que arrancó en la posición número 2 en las lista estadounidense Billboard 200.
Después de un largo periodo sin conciertos ni nuevas grabaciones, la banda lanzó un álbum en directo grabado durante su gira por Canadá y un año más tarde anunció su disolución.
Durante toda su trayectoria publicaron un total de seis álbumes de
estudio, uno en directo y dos en vídeo, con ventas próximas a los 10
millones de copias en todo del mundo, de los cuales dos millones han sido en su país natal.
Cada uno de sus últimos tres álbumes han ganado el premio Grammy por Mejor Álbum de Música alternativa.
El video musical de la canción "Fell in love with a girl" fue realizado usando animación con LEGO y dirigido por Michel Gondry.
8- Junior-Senior: "Move your feet" (1998)
La banda se creó en 1998, cuando 2 miembros del extinto grupo Ludo-X, el cual abandonaron en 1995, volvieron a reunirse para crear "Junior Senior".
Ese mismo año firmaron un acuerdo con la discográfica independiente danesa Crunchy Frog Records.
Durante este tiempo fue muy exitosa porque Ludo-x es uno de los grupos con más fans en dinamarca.
En 2003 sacaron su primer álbum, D-D-Don't Stop the Beat, cuyo single más famoso es el tema "Move your feet". La canción, sacada al mercado danés en 2002, fue un verdadero éxito y les sirvió para saltar a las listas internacionales, siendo número 1 en Dinamarca y con buenas posiciones en Estados Unidos, Australia, Reino Unido y Francia entre otros países.
El videoclip, que empleó pixel art y fue realizado por el colectivo Shynola, apareció con frecuencia en canales como MTV.
El álbum estuvo entre los "mejores de 2003" para publicaciones como Rolling Stone o NME.
9- Daft Punk: "Something about us" (Interestella 5555) y "One more time"
Un extracto de "Interstella 5555", una obra maestra franco-japonesa de animación, musicalizada en su totalidad por el álbum Discovery de Daft Punk.
Daft Punk es un dúo de disc jockeys y productores formado por los músicos franceses Guy-Manuel de Homem-Christo (n. 1974) y Thomas Bangalter (n. 1975).
Daft Punk alcanzó una gran popularidad en el estilo house a finales de la década de los 90 en Francia y continuó con su éxito los años siguientes, usando el estilo synthpop.
El dúo también es acreditado por la producción de canciones que se consideran esenciales en el estilo french house.
Daft Punk es conocido por sus elaborados conciertos en los que
incorporan efectos visuales y por el énfasis que ponen en la historia y
los componentes visuales de sus producciones musicales.
También porque
desde 2001 en sus actuaciones o apariciones públicas aparecen
disfrazados de robot.
En muy raras ocasiones conceden entrevistas o
aparecen en televisión.
A continuación dos ejemplos del uso que hacen de la animación.
10- Peter Gabriel: "Sledgehammer" (1986)
"Sledgehammer" es una canción compuesta e interpretada por el músico británico Peter Gabriel, que debutó en 1996 con el album "So" producido por Daniel Lanois.
Este tema llegó al número 1 en Canadá el 21 de julio de 1986 donde se mantuvo durante 4 semanas, número 1 en E.E.U.U el 26 de julio de 1986 y número 4 en Gran Bretaña en gran parte por su excelente videclip realizado con técnicas de animación.
En el año 2011, "Sledgehammer" alcanzó el récord de ser el videoclip más reproducido en la historia de la MTV.
11- Breakbot: "Baby i´m yours"(2008)
Breakbot, cuyo nombre real es Thibaut Berland (1981), es un productor y DJ francés de música electrónica.
Después de terminar sus estudios en la Universidad de Artes Digitales Supinfocom, realizó algunos cortometrajes (con Damien Ferrié y Oury Atlan llamado Overtime),
publicidades y se encargo de la dirección de video clips. (David
Hallyday - Satellite, Peter von Poehl - The Story of the Impossible).
También es un artista gráfico que fue incluido en los créditos de Arthur and the Invisibles. Overtime fue incluido en la selección de films Animation Show of Shows.
En 2007, lanzó su primer EP "Happy Rabbit" por el sello londinense Moshi Moshi.
Su remix de la canción "Baby" de la banda australiana Pnau del 2008, aparece en Gran Turismo 5.
También una de sus canciones, "Penelope Pitstop", aparece en Gran Turismo 5.
Después de su llegada al sello Ed Banger, lanzó en 2010, su segundo
maxi EP titulado "Baby I'm Yours". Fue bien recibido por el público,
incluso mediante el primer clip lanzado el 9 de junio en la tienda
Colette.
Este fantástico videoclip de animación recurre a la técnica de la acuerela y está realizado por la productora francesa WIZZ.
12- Tame Impala - "Feels Like We Only Go Backwards"
Tame Impala es una banda de Perth, Australia formada por Kevin Parker,
Dominic Simper, Jay Watson y Nick Allbrook el año 2008.
En julio del
2008 la banda firma contrato con la discográfica independiente modular
Recordings, con el que lanzarían posteriormente en septiembre del mismo
año, su primer EP homónimo, logrando un gran éxito a nivel local y comenzando así su primera gira local compartiendo escenario con bandas como The Black Keys y MGMT entre otros.
Videoclip realizado en stop motion con plastelina porJoe Pelling y Becky Sloan en un maravilloso delirio psicodélico.
13- Bonobo: "Cirrus" (2013)
Simon Green, conocido artísticamente como Bonobo, es un productor, compositor, y músico DJ británico.
A los 18 años, se trasladó a Brighton donde compuso y lanzó su álbum debut Animal Magic con la discográfica Tru Thoughts, en el año 2000. Con éste álbum, completamente producido por él, se convirtió en uno de los pioneros del new downtempo y su música relajante cautivó al ambiente de la música electrónica, junto a varias discográficas importantes.
En 2005, contribuyó a la serie Solid Steel con su álbum Bonobo Presents Solid Steel: "It Came From The Sea". El disco
contenía una mezcla de varios tracks exclusivos como también remixes y
reediciones.
14- Radiohead: "Ok Computer" (1997)
OK Computer es el tercer álbum de estudio de la banda británica de rock alternativo Radiohead, lanzado el 16 de junio de 1997. Fue grabado en la zona rural de Oxfordshire y Bath, durante 1996 y principios de 1997, junto al productor Nigel Godrich.
Aunque en la mayoría de la música domina el sonido de guitarra, su
extenso sonido y la amplia gama de influencias lo distinguen de muchas
bandas populares de britpop y rock alternativo de la época, y sentó las bases para el trabajo posterior de Radiohead, más experimental. El grupo no considera a OK Computer un álbum conceptual; sin embargo, sus letras y el arte visual hacen hincapié en temas comunes, como el consumismo, la desconexión social, el estancamiento político, y el malestar moderno.
OK Computer alcanzó el número uno en las listas británicas de álbumes y marcó el ingreso de Radiohead en el mercado estadounidense, donde debutó en la posición número 21 del Billboard 200. El álbum amplió la popularidad de la banda en todo el mundo, y ha sido certificado triple platino en el Reino Unido, doble platino en los Estados Unidos, y platino en Australia.
OK Computer ha recibido la aclamación de la crítica desde su
lanzamiento, y ha sido catalogado por los críticos musicales como uno de
los mejores álbumes de la historia y como una obra maestra del rock
moderno. De hecho, muchas listas tanto de críticos como encuestas populares,
lo consideran el mejor de la historia, por sobre los míticos The Dark Side of the Moon de Pink Floyd y Abbey Road de The Beatles.
15- OUI OUI "Les Cailloux" (1989)
"Chacun Tout Le Monde" ("Each One Everyone") es el primer album del grupo de pop francés Oui Oui de 1989.
La banda estaba compuesta por Étienne Charry (guitar/vocals,) Michel Gondry
(drummer,) Nicolas Dufournet (bassist) and Gilles Chapat (keyboards.)
Los videos de las canciones "Les Cailloux" y "Ma Maison," fueron realizados por el batería y artista visual Michel Gondry.
El video caricaturiza mediante marionetas a los 4 miembos de la banda. Estas marionetas fueron creadas por Frédérique Petit y Fabrice Moireau.
16- Gorillaz:"19-2000"
Gorillaz es un proyecto musical británico creado en 1998 por Damon Albarn y Jamie Hewlett, una banda de rock alternativo
que utiliza personajes de dibujos animados para efectos de publicidad.
La banda virtual que representa al proyecto fue creada por Jamie Hewlett, co-creador del cómic Tank Girl en Essex, Inglaterra.
Mientras veía MTV, Hewlett tuvo la idea de crear la banda. En una entrevista comentó: «Si alguien mira MTV
durante demasiado tiempo, podrá darse cuenta de que es un poco como el
Infierno: ahí no hay nada interesante. Así tuve la idea de crear una
banda de dibujos animados con Albarn».
Gorillaz está representado por cuatro personajes de dibujos animados: 2-D, Murdoc, Noodle y Russel.
Son usados para el material promocional, como en las portadas de discos, en carteles y en los conciertos, en los que se utilizan hologramas de los personajes.
18- Wilco: "Down on me"
Wilco es una banda de rock alternativo de Chicago, Illinois, Estados Unidos, formada en 1994 por los miembros restantes de la banda de country alternativo Uncle Tupelo poco después de la marcha del cantante Jay Farrar.
La formación de Wilco ha sufrido diversos cambios desde su formación, con sólo el vocalista/compositor Jeff Tweedy y el bajista John Stirratt como miembros fijos desde el inicio.
Desde principios de 2004, el resto de la banda consta del guitarrista Nels Cline, los multiinstrumentistas Pat Sansone y Mikael Jorgensen y el batería Glenn Kotche.
Han lanzado al mercado ocho discos de estudio, un álbum en directo y tres colaboraciones: dos con Billy Bragg y uno con The Minus 5.
La música de Wilco se ha inspirado en una amplia gama de artistas y estilos, entre ellos Bill Fay y Television, además de haber servido de influencia para varias otras bandas de rock alternativo.
En su álbum debut A.M. (1995) siguieron el estilo country alternativo de Uncle Tupelo, mientras que en sus posteriores discos han explorado aspectos más experimentales, tocando estilos como el rock alternativo y el pop más clásico.
El videoclip de "Down on me" es de Darren Romanelli y tiene la característica de ser el primer vídeo animado pintado a mano de Popeye en más de 25 años.
19- Portishead: "The rip"
La banda fue formada en 1991 por el teclista Geoff Barrow y la cantante Beth Gibbons
que tomaron el nombre de la localidad natal de Barrow, situada a 15 km
al oeste de Bristol.
Barrow había trabajado anteriormente con otras dos
bandas de trip hop de Bristol, Massive Attack y Tricky.
Después de estrenar el cortometraje To Kill a Dead Man, Portishead firmó un contrato con la discográfica Go! Beat que editó su primer álbum Dummy en 1994, con la colaboración del guitarrista Adrian Utley.
A pesar de la nula campaña de publicidad de la banda, el álbum fue un éxito en Estados Unidos y Europa, los sencillos "Glory Box" y "Sour Times" alcanzaron la cabeza de las listas de éxitos.
Su segundo álbum Portishead, salió a la venta en 1997 e incluyó el sencillo "All Mine".
Además, grabaron un concierto con acompañamiento de orquesta en Roseland, Nueva York, donde fueron interpretadas sus canciones más famosas. Éste, salió a la venta en 1998 con un DVD del concierto.
En 1999 colaboraron con Tom Jones en una canción de su álbum Reload.
"The Rip" es un single de 2008 y el videoclip fue realizado por Nick Uff.
20- Spoon: "Everything hits at once"
Spoon es una banda de indie rock de Austin, Texas. La banda está formada por Britt Daniel (vocalista, guitarra); Jim Eno (batería); Rob Pope (bajo) y Eric Harvey (teclado, guitarra, percusión).
Melodías tarareables y mágicas, inspiradas en la tradición folk-rock-pop
norteamericana, sobre estructuras instrumentales alejadas de lo típico.
Canciones compuestas y producidas de manera limpia, arriesgada y
creativa.
El nombre Spoon fue escogido en honor de una canción que era
parte del soundtrack de la película Das Messer "Spoon" de la Banda
Alemana de Krautrock Can .
El vídeo de Peter Simonite y Divya Srinivasan para la canción que abría el primer disco de Spoon, Girls can tell
(2001), captura el tono melancólico del tema con imágenes simples y
audaces y logra contagiar la angustia dramática de las letras sin ser
demasiado literal.
21- R.E.M.: "Man Sized Wreath"
R.E.M. fue una banda de rock estadounidense, formada en Athens, Georgia en 1980 por el cantante Michael Stipe, el guitarrista Peter Buck, el bajista Mike Mills y el baterista Bill Berry.
De las primeras bandas pioneras del rock alternativo, R.E.M. fue fundamental en la creación y desarrollo del género de rock alternativo.
Allmusic
declaró: "REM marcó el punto en el que el post-punk se convirtió en
rock alternativo". A principios de la década de 1980, el estilo musical
de R.E.M. contrastaban con los géneros post-punk y new wave que la
habían precedido.
R.E.M. consiguió rápidamente atención por el estilo arpegiado
de la guitarra de Buck y las voces poco claras de Stipe. R.E.M. lanzó
su primer sencillo, "Radio Free Europe", en 1981 en el sello
discográfico independiente Hib-Tone. Pronto se expanden por todo el
estado y en 1982 publican un EP, Chronic Town, con la discográfica I.R.S. Records.
Combinando folk-rock y punk logran que la crítica les defina como
auténticos innovadores de la música. Pronto su expansión se traduce a
todo el país.
22- Royksopp: "Remind me"
Röyksopp es un dúo noruego de música electrónica formado en Tromsø en 1998.
Desde sus inicios, los dos componentes del proyecto son Svein Berge y Torbjørn Brundtland.
Röyksopp constantemente han experimentado con diferentes géneros
pertenecientes a la electrónica. Estilísticamente, la banda hace uso de
diversos géneros, incluida la ambiental, el house, drum and bass
y sonidos afroamericanos.
La banda también es conocida por sus
elaborados conciertos, en los que a menudo cuentan con trajes
excéntricos.
Desde su debut en 1998, el dúo ha sido elogiado por la crítica y ha
tenido relativo éxito en la mayoría de Europa. Hasta la fecha, Röyksopp
ha sido nominado a un premio Grammy, ha ganado siete Spellemannprisen,
ha realizado giras mundiales y ha producido discos que han entrado en
varias listas, entre los que destacan cuatro números uno consecutivos en
Noruega.
23- Michael Jackson: "Leave me alone"
Jim Blashfield y Paul Diener dirigieron el vídeo musical de «Leave Me Alone» y fue publicado el 2 de enero de 1989.
También apareció en la película Moonwalker (1988). En esencia, el vídeo es un parque de diversiones conformado por imágenes estilísticamente ordinarios, basados en la exitosa carrera de Jackson desde Thriller (1982).
Hay un énfasis en la vista de los tabloides
de su vida personal y la imagen pública, refiriéndose al apodo «Wacko
Jacko» dado por la prensa y los titulares de varios asociados con él en
la década de 1980. Satirizando rumores en las que intentó comprar los huesos de Joseph Merrick, Jackson baila, en animación stop motion, con los huesos del «Hombre elefante».
Este segmento particular (sin la imagen de los huesos) se utilizó para
la portada del sencillo, y el segmento del vídeo deshuesado apareció en
el avance de Moonwalker.
En el vídeo, hay imágenes de santuarios a la actriz Elizabeth Taylor,
una gran amiga en la vida de Jackson.
A lo largo de los titulares de
prensa en el vídeo, publicado por «Intruso nacional», se muestran
títulos bizarros como «Dieta de la era espacial de Michael» y «Michael
propone a Liz».
Otra escena notable fue un escalpelo
mientras persigue a una nariz, que fue la referencia a la cirugía
plástica de Jackson, siendo criticada por los medios de comunicación. Al
final, se revela que un gigantesco Jackson es el parque de diversiones.
Se libera, mientras lo rompe en pedazos. Esa escena es una
reminiscencia de Los viajes de Gulliver, donde Gulliver se libera de las garras de los liliputienses de Lilliput.
«Leave Me Alone» recibió múltiples nominaciones por su vídeo musical. Ganó el premio Grammy al mejor vídeo musical de formato corto en la entrega de 1990.
También recibió seis nominaciones en los MTV Video Music Awards 1989,
en las categorías de vídeo del año, elección de los espectadores, vídeo
revelación, mejor montaje y mejor dirección artística. Ganó a mejores
efectos especiales.
24- Arctic Monkeys: "Do i wanna know"
Arctic Monkeys es una banda de indie rock formada en Sheffield, Reino Unido.
El grupo está compuesto por el guitarrista principal y vocalista Alex Turner, el guitarrista Jamie Cook, el baterista Matt Helders y Nick O'Malley en el bajo, puesto ocupado anteriormente por Andy Nicholson.
Su primer álbum, Whatever People Say I Am, That's What I'm Not, fue galardonado en 2007 como el «mejor álbum británico».3 El segundo álbum de la banda, Favourite Worst Nightmare,
se lanzó el 23 de abril de 2007 y vendió más de 225 000 copias en su
primera semana de lanzamiento, además de ser nominado para el Mercury
Prize de 2007.
La banda también ganó los premios a mejor banda británica y mejor álbum británico en los Brit Awards de 2008 y 2014.
Arctic Monkeys son generalmente considerados parte de la escena post punk revival, junto a bandas como Franz Ferdinand, Kaiser Chiefs y Bloc Party. Comenzaron a ser conocidos a través de maquetas hechas por sus seguidores y distribuidas por internet.
Son considerados como uno de los primeros eventos que alcanzó la atención pública vía Internet, por lo que se les catalogó como «la banda que pudo haber cambiado el mercado de la música».
