Diferencia entre Plano, Secuencia, Escena y Toma

Este  post pretende explicar las diferencias entre los conceptos Plano, Secuencia, Escena y Toma.

Expresiones que aparecen contínuamente en el lenguaje audiovisual y que muchas veces nos llevan a confusión en cuanto a su interpretación.

Lo primero que debemos tener en cuenta es que los cuatro se refieren a diferentes fracciones de tiempo.

De esta manera, será la unión de los cuatro la que dará lugar al producto final que definimos como largometraje, ya que una escena no podría existir si ésta no estuviese compuesta por diferentes planos (con la excepción del fijo o secuencia). Veamos entonces qué tipo de significado posee cada uno.

Plano

El plano es el fragmento más pequeño del lenguaje audiovisual.

Se trata de la acción grabada desde un punto de vista concreto y con un encuadre específico.

La sucesión de éstos y la forma de mostrarse será algo que influirá directamente en el ritmo de la película. 

Por ello, en momentos dramáticos y de reflexión se suelen usar primeros planos de gran duración.

 Mientras que en puntos de acción es habitual ver una sucesión muy acelerada de éstos, lo cual es empleado para transmitir todo el frenesí que acompaña a ese instante.

Por otro lado también existe el plano secuencia, algo que hemos podido ver en numerosos productos audiovisuales, como True Detective (episodio cuarto de la primera temporada) o Birdman. Aquí la escena no está contada uniendo pequeños fragmentos de planos, sino que el director decide por acompañar al personaje durante toda la acción sin (aparentemente) parar de grabar.

Escena

Es una unidad de acción, delimitada por el espacio y el tiempo.

Así, cuando cambien de lugar o se produzca una alteración en el tiempo (un flashback o flashforward), el lenguaje audiovisual nos estará indicando un diferente punto narrativo y, por tanto, el cambio de escena.

Secuencia 

Si lo aplicamos a la literatura sería equiparable al capítulo de un libro.

Es la división de una historia que posee un sentido completo. Es decir, que una misma idea está vinculada o conectada por diferentes escenas. Al contrario que ocurre con la escena, la secuencia sí que suele tener sentido como unidad independiente y está dotada de un principio con un final.

P.e.La secuencia de Forrest Gump en el banco.

Toma 

Es el momento desde que empiezan a grabar hasta que se termina.

Esta empieza desde que el director indica “acción” hasta que finaliza.

Por ello, es habitual dividir en tomas los diferentes intentos para conseguir una escena. Más tarde, todas esas tomas serán valoradas por el director para determinar cuál de ellas es la más adecuada para el montaje final.

El número de tomas para conseguir una buena escena dependerá de muchos factores, ya sea la habilidad de los actores, la dificultad de lo representado o incluso el nivel de exigencia que establezca el propio director.

Tipos de planos en el cine

Sin duda, otro de los conceptos importantes que debemos tener en cuenta a la hora de realizar nuestras animaciones es el tipo de plano con el que queremos transmitir la historia ya que de ellos dependerá en gran medida la carga emocional de nuestra pieza audiovisual y repercutirá en su calidad final. 

A continuación he incluido una lista con los diferentes tipos de planos con los que suelen trabajar la mayoría de directores de cine. 

Deberemos conocer alguno de ellos, observar sus características y aplicarlos en función de lo que queramos conseguir en nuestra película.

Plano general (Long shot)

Introduce al espectador en la situación, le ofrece una vista general y le informa acerca del lugar y de las condiciones en que se desarrolla la acción. 

Suele colocarse al comienzo de una secuencia narrativa. 

En un plano general se suelen incluir muchos elementos, por lo que su duración en pantalla deberá ser mayor que la de un primer plano para que el espectador pueda orientarse y hacerse cargo de la situación. 

Puede realizarse de varios modos, según su grado de generalidad.

Plano panorámico general:

Es una filmación que abarca muchos elementos muy lejanos. En él los personajes tendrán menos importancia que el paisaje. Por ejemplo, una cabaña en el bosque vista de lejos. Las personas se verán pequeñas.

Gran plano general: 

Es una panorámica general con mayor acercamiento de objetos o personas. (Alrededor de 30 metros).

Plano general corto:
 

Abarca la figura humana entera con espacio por arriba y por abajo.

Plano americano: Toma a las personas de la rodilla hacia arriba. 

Su línea inferior se encuentra por debajo de las rodillas.

 

Plano en profundidad: Cuando el director coloca a los actores entre sí sobre el eje óptico de la cámara dejando a unos en primer plano y a otros en plano general o plano americano. 

No se habla de dos planos, primer plano o segundo plano, como haríamos en lenguaje coloquial, pues hemos definido plano, por razones prácticas, como sinónimo de encuadre.

Plano medio (Medium shot)

Limita ópticamente la acción mediante un encuadre más reducido y dirige la atención del espectador hacia el objeto. 

Los elementos se diferencian mejor y los grupos de personas se hacen reconocibles y pueden llegar a llenar la pantalla.

Plano medio largo:encuadre que abarca a la figura humana hasta debajo de la cintura.

Plano medio corto (Medium close shot): encuadre de una figura humana cuya línea inferior se encuentra a la altura de las axilas. 

Es mucho más subjetivo y directo que los anteriores. 


Los personajes pueden llegar a ocupar la pantalla con un tercio de su cuerpo, y permite una identificación emocional del espectador con los actores. 

Mediante este encuadre es posible deslizar también muchos otros elementos significativos. 
 

Primer plano (Close up): encuadre de una figura humana por debajo de la clavícula. El rostro del actor llena la pantalla. 

Tiene la facultad de introducirnos en la psicología del personaje. 

Con este encuadre se llega a uno de los extremos del lenguaje visual: los objetos crecen hasta alcanzar proporciones desmesuradas y se muestran los detalles (ojos, boca, etc.).

Semiprimer plano (Semi close up shot): Concentra la atención del espectador en un elemento muy concreto, de forma que sea imposible que lo pase por alto. 

Si se refiere al cuerpo humano, este tipo de encuadre nos mostrará una cabeza llenando completamente el formato de la imagen. 

Desde el punto de vista narrativo nos puede transmitir información sobre los sentimientos, analiza psicológicamente las situaciones y describe con detenimiento a los personajes.

Gran primer plano: cuando la cabeza llena el encuadre.

Plano corto: encuadre de una persona desde encima de las cejas hasta la mitad de la barbilla.

Plano detalle: Primerísimos planos de objetos o sujetos, flores, una nariz, un ojo, un anillo, etc.

Storyboard

El Storyboard es un conjunto imágenes mostradas una detrás de otra con el fin de planificar aspectos técnicos de una animación o cualquier otro medio gráfico o interactivo.

Basicamente el stoyboard es un guion gráfico, que nos permite la previsualización de nuestra animación antes de que este terminada. 

En éste se plantean las ideas principales de nuestro guion técnico y literario, y se planifican los detalles de cada escena.

La forma de eleborar un storyboard varía en función del uso que tengamos que darle y del medio que estemos utilizando (poster, web, cartel, animación...).

Los storyboards, aunque son una herramienta técnica, constituyen en sí piezas artísticas habiendo incluso coleccionistas de este tipo de arte que pagan auténticas fortunas por los dibujos originales. 



¿Como se debe hacer un Storyboard?
 
Una vez escrito el guión literario, deberás pensar en las imágenes que deseas tomar para mostrar y explicar lo que la voz está narrando. 

Realiza un sketch (dibujo) de cada una de las escenas de tu pieza audiovisual que mantenga una coherencia con tu guión literario. 

La historia debe ser entendible con un simple vistazo al storyboard y aunque no es necesario que seas un gran dibujante debes hacer un esfuerzo en este apartado y conseguir que explique tu historia.

Combina planos generales con planos-detalle a medida que esos detalles son mencionados en la película. 

Realiza cambios de plano coherentes que ayuden a la comprensión de tu guión y consigan los efectos emocionales que requieras pero no cometas errores de racord.

Utiliza sabiamente los silencios de voz dejando respirar a las imágenes.

Existen varias formas de construir los storyboards pero, usualmente, incluyen los planos, personajes en el rodaje, la duración del rodaje y breve recuento de lo que está sucediendo en la toma. También se le pueden agregar otras anotaciones como, por ejemplo, si la toma será utilizada en otra parte de la película (por ejemplo, para un flashback). 

En el storyboard, las tomas se presentan como historietas y en cada cuadro, se tienen que ver los movimientos que suceden en la toma.
 
Debemos detallar las líneas principales de la película, tomar las decisiones donde quedaron dudas y calcular la duración de cada escena. 

Rotoscopía

 

En esta ocasión quiero acercaros una técnica muy utilizada en la historia audiovisual que considero fundamental, la rotoscopia.

No se trata de una técnica muy complicada ni que requiera de medios extraordinarios más allá de los habituales en una filmación, sin embargo exige muchísimas horas de trabajo y una gran paciéncia.

La rotoscopía es una técnica de animación que consiste en calcar cada uno de los fotogramas de una grabación real para conseguir una animación más fluida.

Esto se consigue sin perder la naturalidad y dinamismo de los movimientos, expresiones, luces, sombras... con la que fueron tomadas las imágenes.

Esta técnica ha sido utilizada en muchísimos proyectos siendo los más destacables "Cab Calloway" y "Betty Boop" a principios de los años 30.

 

                

 

Otro ejemplo de la utilización de esta técnica por los estudios Walt Disney es en "Blancanieves y los siete enanitos" de 1937, cuyos animadores utilizaron la rotoscopia dar vida a los personajes del príncipe y de Blancanieves.

En 1939 también se recurrió a la rotoscopia en la película de dibujos animados  "los viajes de Gulliver".

Otro ejemplo muy significativo es el trabajo de Ralph Bakshi que utilizó el rotoscopiado en su versión de El Señor de los Anillos en 1978, pero debido a la falta de presupuesto el resultado no fue el deseado y la crítica se ensañó con él.

Yo personalmente la considero una pequeña gran obra inacabada.

Esta técnica de animación ha sido utilizada en numerosas ocasiones para lograr ciertos efectos especiales como por ejemplo, en el año 1977, cuando George Lucas la utilizó para crear los efectos especiales de los sables luz en "La guerra de las galaxias"

Para rodar las escenas en las que los caballeros jedi utilizaban sus sables, se les dió a los actores unas empuñaduras en las que la hoja de energía estaba representada por un bastón recubierto de una pintura reflectante, que emitía un débil replandor.

Más tarde, en laboratorio y mediante un rotoscopio, en cada fotograma los técnicos de efectos especiales "pintaron" el bastón con un efecto de luz mucho más intenso.


                                                                                                                                         

Un claro ejemplo de la utilización de esta técnica aplicada a la música fue el videoclip de la canción Take On Me, que el grupo noruego a-ha lanzó en 1984.

Se inspiró en el trabajo de arte de un estudiante que había recurrido a la técnica del rotoscopiado. Las escenas en vivo (que no son animaciones) fueron grabadas en el Kim's Café y en un estudio de sonido, ambos en Londres, Inglaterra.

El videoclip narra una historia de fantasía en la que una chica (interpretada por la actriz Bunty Bailey) vive un romance de ensueño con el héroe de su historieta favorita (interpretado por Morten Harket).

La rotoscopia tiene una técnica análoga en la animación por computadora: la captura de movimiento.

El término rotoscopia es pues ahora usado de forma generalizada para los procesos digitales mediante los que se rediseñan las imágenes sobre la película digital.

Para las películas El Señor de los Anillos: las dos torres y El Señor de los Anillos: el retorno del Rey, de 2002 y 2003 respectivamente, los animadores por computadora se vieron obligados por los productores a usar la técnica de la captura de movimiento con el actor Andy Serkis para todas las animaciones del personaje ficticio de Gollum, ya que el resultado obtenido mediante simple animación por computadora fue rechazado por incompleto y falto del realismo requerido para este personaje.

La rotosocopía puede llevarse a cabo con diversos softwares, otorgando así diferentes resultados a la composición.

Por ejemplo, yo suelo usar Flash , Photoshop y After Effects.

 Normalmente filmo el vídeo que deseo rotoscopiar, y con Quicktime exporto todos los fotogramas a “22 fps” como secuencia de imágenes PNG y los guardo en una carpeta.

Después abro Flash u otro, e importo todos los fotogramas a la linea de tiempo, esa linea de tiempo queda bloqueada, y en una superior voy calcando frame a frame todos y cada unos de los fotogramas de la linea inferior, pudiendo descartar algunos, en casos de que no se crea que son realmente necesarios, o para acentuar el tiempo, creando así estados de aceleración o des-aceleración en la linea de tiempo.

Un detalle muy importante a tener en cuenta es poder usar la timeline para separar cualquier tipo de elemento, como trazo, colores, rellenos… Lo que luego se puede re-aprovechar para poder usarlas individualmente para crear por ejemplo máscaras, reservas de color, o cualquier tipo de recurso.

Una cosa en las que nos beneficia el Flash, es poder crear diferentes tratamientos de los trazados con el pincel o el lápiz. También podrás hacer zoom sobre una zona cuando al 100% sea difícil ver los detalles de una imagen sin perder detalle.

Y por ultimo y muy importante, el Flash trabaja en vectores, con lo cual, la salida del vídeo será optima.

También hay otros softwares muy útiles para rotoscopiar, como Photoshop, TVpaint, After Effects, Rotoshop, Toon Boom, …..

Muchos de ellos tienen combinaciones de filtros que nos ayudaran notablemente para llevar a cabo el trabajo de rotoscopia, incluso harán la mayor parte del trabajo, o la totalidad, como Rotoshop, un software que se dedica exclusivamente a esta técnica.

Eso si, los resultados no siempre son satisfactorios, ya que estos filtros, por lo general , requieren un buen tratamiento en la pre-producción del vídeo.

 

Sin llegar a dudas, uno de los mejores resultados de la rotoscopia, es llevarla a cabo dibujando directamente sobre un papel, para que seguidamente sea digitalizado, este proceso hace el trabajo, en algunos casos, 2 veces más largo.

Star Wars Rebels Season 2

Diney ha anunciado recientemente la producción de la segunda temporada de Star Wars Rebels y lo hace apenas unas horas antes del estreno oficial de la primera temporada.

Star Wars Rebels: La Chispa de la Rebelión, los dos primeros capítulos de la serie, se presentan condensados en un único mediometraje de cuarenta minutos aproximadamente.

La serie animada, la primera puesta en marcha desde que Disney adquiriera Lucasfilm en 2012,regresa en el tiempo a la primera trilogía, narrando las hazañas de una rebelión en ciernes que lucha por no desaparecer. Esta nueva serie esta producida por Dave Filoni(Star Wars: The Clone wars), Simon Kinberg (X-Men) y el veterano animador Greg Weisman (Gargoyles, Spiderman...)

 A través de un comunicado, Gary Marsh, Presidente y Chief Creative Officer de Disney Channels Worldwide, ha hecho público el desarrollo de esta segunda temporada y ha señalado:

 "La expectación que ha despertado esta serie en todo el mundo es enorme. Me siento orgulloso de afirmar que el equipo de Lucasfilm ha superado todas las expectativas imaginables, tanto en el plano artístico como en el desarrollo de los guiones”.

Las primeras críticas han sido ciertamente muy favorables.

Star Wars Rebels, para los despistados, es la nueva serie de animación con la que se rebootea de manera oficial todo el Universo Expandido (todo aquel material de Star Wars ajeno a las películas), salvo casos excepcionales como la serie The Clone Wars. La serie está ambientada entre La Venganza de los Sith y la película original de La Guerra de las Galaxias. En ella se narran las peripecias de un grupo de rebeldes que luchan contra el Imperio Galáctico en el Borde Exterior, en una desigual guerra de guerrillas.